展览

首展“开启START” 是星美术馆策展团队为开馆布局的第一个篇章。在整体策划中：开馆展将由四个连贯的展览组成，分别为“开启START”之第一季至第四季，每季历时5个月，为期2年。每一季均将以不同基调、不同视角来呈现，尽量保持艺术的多面性与复杂性。

“信号”是本次参展艺术家徐震自2022年启动的一个当代艺术项目，持续向全球的观众赠送他创作的“激情”系列绘画。每个收到绘画的观众也将应邀在自己的社交媒体账号上展示此绘画。届时，将形成一个长期的、持续不断的出现在互联网自媒体平台上的“画展”。此项目旨在向更多的人群发射艺术的信号，共享艺术的未来。

“艺术在樵山-广东南海大地艺术节 2022”在佛山市南海区西樵镇开幕。来自15个国家和地区的134位／组艺术家携73个艺术项目参展，运用在地化的艺术创作方法讲述南海故事、呈现南海价值。今年是首届广东南海大地艺术节。本届艺术节以“艺术在樵山”为主线，以“最初的湾区”为策展主题，在西樵镇全域176平方公里范围内设置主会场，共8个艺术分区。

《徐震超市》重现了一间中国便利商店的配置，日常消费品琳琅满目，正价出售，但细看却发现，每件商品内部都是空空如也。参观者受邀购买商品包装空壳，这种反常行为将全球资本主义交换价值的危机暴露无遗。在商品包装所象征的美学伪装下，其内容的空无与匮乏指向商业霸权中交换与使用价值的倒置。

徐震®在超市这个建构空间中， 戏仿全球泛滥的消费主义，同时创造出商品和艺术品的拟像，也即是当代生活的拟像。在鲍德里亚看来，资本主义消费的不是物，而是一种符码和理念，没有所指的拟像则泛滥成为后现代社会的唯一真实。由此看来，一旦进入资本系统，艺术就是一个被消费的符码或理念，是一种设计、一种包装，它不涉及作品本身。这正是对于艺术家去除货物、只留包装的最好诠释。

徐震®受邀参加第三届曼谷艺术双年展，展出“永生”和“进化”系列雕塑。目前双年展正在曼谷市内12个场所展出200余件艺术品，囊括来自31个国家的73位艺术家。

本届曼谷艺术双年展主题为 “CHAOS : CALM（混乱 : 平静）”。混乱与平静的二元对立反映了我们所身处的时代精神，在流行病、气候变化、政治和意识形态冲突的时代，艺术家那些表现动荡与创伤的作品提示着人类的脆弱；同时，在这个反乌托邦的幻想世界中，我们经由艺术，看见繁荣复苏的决心，以及构建希望与平静的可能。

https://www.bkkartbiennale.com/

徐震®“信号”与香格纳新加坡10周年特展同步启动

继8月在艺术雅加达博览会开启徐震®国际当代艺术项目“信号”的全球首站后，香格纳画廊将于香格纳新加坡十周年展览“入口”之际推出该项目的新加坡站。

“信号”源于徐震®自2021年开始创作的“激情”系列作品。该系列的布上油画作品由社交媒体上的聊天截屏转译而来。自由书写、富有表现力的笔触和涂抹是艺术家试图捕捉在线社交媒体互动所产生的能量的结果。这是徐震®首次亲笔绘画如此庞大数量的系列作品，因此这也是艺术家生涯中极具个人色彩的一次创作。

作为这一系列作品的延伸，“信号”项目中的绘画大小类似于手机屏幕尺寸。艺术家将把它们赠送给全球观众，作品数量不设上限，并邀请每一位观众在他们的社交媒体账号上分享收到的绘画，由此形成一个长期的、持续不断的出现在互联网自媒体平台上的“画展”。这种前所未有的艺术传播方式延续了徐震®反讽幽默的创作方式，促使观众思考艺术的未来。

伴随项目的线上“画展”，新加坡站将在画廊中实体展示同系列的四幅大型油画。大尺幅的绘画将以沉浸式的呈现方式，展示徐震在画布上“激情”的挥洒，感受艺术家个人的知觉与体验。艺术家以每幅画的实际重量作为作品名称，以一种另类方式量化我们的在线体验。“激情”系列绘画也将成为计算机中的字节和比特之外，互联网社交媒体活动中的一种前所未有的表现形式。

展览的灵感来自前段时间著名作家王安忆的一场讲座。

今年5月，在一场题为“中国当代小说中的文明史——谈阿城的‘三王’”的在线讲座中，王安忆透过阿城的《树王》《孩子王》《棋王》三部小说分别提及的三种工具——亦是文明的三个象征——“刀”“文字”“艺术—数学”，探讨了作为寻根文学运动的代表，“三王”的历史意涵以及作者阿城的真正意图。“三王”讲述的是两位作家都曾经历过的知青下乡的岁月，可是，阿城为什么在书中会如此执着于描写这三种工具呢？王安忆的回答是，诚如《汉书·艺文志》所云：“礼失而求诸野”，乱世之时，人们只好到乡野去寻找文明的踪迹。

这个小展览并非是王安忆讲座的简单转译，而是以此为视角，探讨“数术”“文辞”和“匕”这三种工具是如何被滥用，以及作为文明象征的它们是如何成为暴力工具的。因此，“诸野”中的“野”既是“乡野”，也是“暴力”；这里的“诸”，既是“众多”，亦是“之于”。而无论在何种意义上，“诸野”所指的都是一个深陷危机的“例外时刻”，在这个时刻，暴力与文明往往只有一线之隔。

徐震®的场域特定雕塑作品《Hello》全新亮相斯坦福大学校园，成为斯坦福The Plinth公共艺术计划的揭幕之作。该计划旨在将校园中心一处占地2.45英亩的空地（Meyer Green）打造为室外艺术空间，委任不同艺术家轮流在此呈现作品。

2019年，校方向徐震®发出邀请，原因之一便是他所代表的全球视野以及他与学校相通的价值观。经历了疫情导致的布展延期后，《Hello》于2022年年初在校内落成，将展出两年。

徐震®将传统青铜技艺与前沿数字雕刻技术相结合，作品因而兼具历史感与当代感。雕塑形态由古希腊建筑中的柱式发展、演变而成，这象征着西方文明的渊源和基石。当观众走近，便会发现高耸的古希腊神庙柱头如同一条放大、变异的蛇，盘踞在雪松环绕的柱基上东张西望。

作品用经典的希腊柱的形态与蛇所具有的充满攻击性的生物姿态，唤起观众对经典文明的知觉和体验。当观众与生动的柯林斯式的柱头眼神相遇的刹那，也是与其代表着的深厚的历史与文明的相遇、彼此凝视。在全球文明交融碰撞日益频繁的今天，作品构成了一个关于不同时空中的文明在当下相遇的现实和隐喻。

关于《Hello》，徐震®写道：“坐落于硅谷的斯坦福大学在促进创新、发展和人才培养方面肩负重任。这所名校的师生与当代艺术家有相通之处：即使面对未知，他们也能看见新可能，并勇于探索机遇。”他也曾在2017年的访问中谈到：“很难将艺术家仅仅定义为一个制作艺术品的人，他或许应是改变人们思考方式的人。”

对不起，此内容只适用于美式英文。

“从大革命到全球化”探索了当代中国由70年代初至今的文化发展。1978年中国实施对外开放政策，开启了一个新时代，对社会和经济带来了深远的影响。主要城市摇身一变成为国际商业中心，影响着成千上万人的日常生活。随着中国在世界舞台的崛起，艺术家积极地与国际进行国际艺术交流。艺术家通过展览以及对于新兴媒介和不同常规风格的尝试，来挑战传统思维和艺术实践方法。“从大革命到全球化”展示这批艺术家勇于创新的精神及当代中国的变化，让国际观众能籍此了解今日中国。

上海明珠美术馆于2021年5月29日至8月22日策划举办题为“从泥土到语言——以陶瓷为媒介”的艺术家群展，以朴素的方式从材料出发，试图将探索引向艺术观念与语言的精妙幽深之处，为观众带来一系列古代陶瓷及工艺美术以外的、以陶瓷为媒介的独特艺术创作。展览甄选14位当下活跃在艺术领域具有代表性的中外艺术家（按音序排列）：（法）塞莱斯特·布谢-穆日诺（Céleste Boursier-Mougenot）、陈小丹、耿雪、梁绍基、梁婉莹、刘丹华、刘建华、柳溪、苏献忠、隋建国、孙月、徐鑫桦、徐震®、赵赵，展出他们以陶瓷材料作为媒介、或与之相关的艺术创作。30余组多元作品包括雕塑、装置、影像、绘画等形式，分7个篇章：生于土、格物、怀古与挪用、日常与非常、身体与身份、时间、联觉与自然，探索与呈现以历史悠久的陶瓷材料为媒介的艺术新观念、新表达、新语言。

“怀古与挪用”是后现代艺术经常会发生的一种工作方式和常见议题。艺术家徐震®此次展出的作品《没顶曲项瓶——清雍正粉彩桃蝠纹橄榄瓶》，原型来自曾被当做台灯、后刷新过清代瓷器第一高价成交纪录、又进入博物馆珍藏的一只传奇粉彩瓶。他借鉴古代瓷器的烧制方法，将中国古瓷经典造型脖颈旋转九十度，创造了一个新的器型。

2021年5月22日至7月11日，UCCA Edge以展览“激浪之城：世纪之交的艺术与上海” 宣布于上海正式落成，并对公众开放。此次展览将目光投向其所在的城市——上 海，聚焦于中国艺术将自身纳入全球当代艺术图景的历史时刻。“激浪之城：世纪 之交的艺术与上海”汇集了26位国内外知名艺术家的重要作品及近期创作。这些艺术家多与UCCA有着深厚渊源，其创作促成了中国当代艺术今日发展之面貌。本次参展艺术家包括马修 · 巴尼、鸟头、丁乙、房方、季瑞、安德烈·古斯基、何云昌、胡介鸣、黄永砅、威廉·肯特里奇、李昢、梁玥、倪俊、施勇、徐震、颜磊、 杨福东、杨振中、余友涵、张恩利、张培力、张永和、赵半狄、郑国谷、周铁海和周啸虎。“激浪之城：世纪之交的艺术与上海”由UCCA馆长田霏宇策划。 2000年前后，随着新兴市场的发展、机构改革的深入和艺术家自发性组织的活跃，在即将跃身国际大都市的上海涌现出一系列推动艺术传播与提升艺术影响力的展览，这些展览体现并扩展了实验艺术呈现的可能性。从工厂仓库到公立美术馆，从尚未开业的购物中心到重大国际峰会的开幕式，新的艺术在上海各处生根发芽。 20年后的今日，“激浪之城：世纪之交的艺术与上海”将自身置于这座城市多元化国际发展的历史进程之中，通过对推动中国艺术发展迈入重要节点，促成彼时上海独特艺术生态形成的重要作品的呈现，以及与反映上海当下全球化发展作品之间的对话，对上海城市的疾速变化与当代艺术的蓬勃发展进行审视。2007 年，UCCA 北 京的开馆展“’85新潮：中国第一次当代艺术运动”由费大为策划，展览根据彼时的历史背景明确了 UCCA 这座艺术机构的定位，本次展览则是对这一开馆展传统的延续。时至今日，再次回望这些艺术家及其贡献，既可以审视这座城市和文化生态发展所取得的成果，也更为了理解上海——这座位于全球艺术前沿的中国城市所蕴含的开创精神。

徐震（1977年生于上海，现生活工作于上海）在本次展览上重演其2002年的行为表演作品《3月6日》，再次表达了他对沉默世俗的反抗，一如他在作品《喊》（1998/2005，2021剪辑）中，其充满挑衅性的行为既是对自身存在感的宣言，也是对周遭人物关系的试探。

为庆祝香港一年一度的艺术月，K11 Art Foundation（KAF）将于 K11 MUSEA带来一系列国际级艺术项目，推动跨文化的艺术交流并以艺术启发想像。重点活动包括由 K11 Art Foundation 及法国驻香港及澳门总领事馆共同呈献的「戏墨狂想曲：乔治．马修回顾展」，展出艺术家横跨四十年的杰出作品。著名中国当代艺术家徐震首度于香港展出其标志性的艺术装置《只要一瞬间》。另外还有一连串艺术项目，包括日本艺术家加藤泉的首个青铜雕塑，以及《City As Studio》新书发布，让观众率先预览传奇策展人Jeffrey Deitch于2022年策展的「City As Studio」展览。

为令艺术及文化活动更丰富，KAF更带来多个跨文化计划，包括与法国驻香港及澳门总领事馆及录映太奇（Videotage）联手策划、并获法国文化中心（Institut français）全力支持的首届 Micromégas艺术家驻留计划；与洛杉矶当代艺术博物馆（MOCA）共同呈献，并于KAF全新官方网站播放的「KAF X MOCA：Transpacific Stream」线上放映计划；德国著名艺术家卡塔琳娜．格罗斯（Katharina Grosse）作为其中国首场个展的延伸展览图录《卡塔琳娜．格罗斯：呢喃的泥土》。

没顶画廊于2021年5月8日荣幸推出葛辉、宋琨和徐震®的三人群展：“艺术是种生物”。这将是没顶画廊在博华广场空间的最后一场展览，将持续至6月30日。本次展览围绕形象的创造及其演化过程中的内在逻辑和驱动力展开——葛辉、宋琨和徐震®从各自的经验和不同的角度出发，让形象在叙事中生长或从形态上演变，并由此延伸至关于媒介及艺术语言的深入探讨。

OCAT上海馆将于2021年4月28日至7月11日荣幸呈现展览“环形撞击：录像二十一”。此次展览由戴卓群策划，截取2000年以来的中国录像艺术样本，邀请到21位长期以录像为创作媒介的艺术家，内容涵盖自21世纪初至今，恰迈入21年的时间跨度。本次展览为策展人近年来有关于中国录像艺术发展进程的的又一项积极举措。从2019年秋季的大型群展“自由棱镜，录像的浪潮”，到2021年春天的“环形撞击：录像二十一”，这项具有延续性质的策展实践，对录像艺术的关注，始终聚焦于屏幕之内，围绕着媒介的内容，而非媒介本身。结合录像艺术在中国大陆起步和发展的特殊时代背景，在前卫和新潮艺术群起的波澜中，录像艺术应时而生地充当了新时期中国社会最前沿意识与观念启蒙的媒介剂，记录和映照下中国人的社会生活和精神境况以及思想情感纷纭变幻中的大千万象。

基于以上思路，戴卓群将中国录像艺术的发展进程，按照不同时间阶段的现实与观念表征，以十年为一代际，分为三个时期，并对应于三个章节。第一章节“1988-1999，春天的故事”，聚焦1988-1999年间早期前卫艺术时期录像的创作肇始。《春天的故事》，来自传唱于1990年代由董文华演唱的讴歌改革开放和邓小平南巡的歌曲。而此次展览所呈现的其后两个章节，则分别涵盖了新世纪的两个十年，经济的全球一体化和网络互联时代，重新定义了我们对世界的理解认知乃至思维方式，从第二章节“恋曲2000”到第三章节“浮世淡影”，在试图赋予新的世纪积极而又有温度的叙述的同时，也淡淡显影出中国社会从1980年代波澜群起的思想启蒙阶段，渐趋多元、碎化、并已无形间过渡到后全球化时代纷纭的、支离的飘零絮语。

时间是一个圆，周行不殆，录像是基于时间的艺术，也是世间万千之镜像。图像、声音在感官中徊还和撞击，屏幕化的生活，成为我们体验世界的方式，录像艺术，也参与记录、诊断、介入乃至塑造了我们这一代人的社会生活与精神症候。

光是人类视觉的根基，有光才有了眼睛。我们靠它狩猎作息、驱散暗夜带来的恐惧、计算自然流转的规律。光自远古时期开始就浸润着地球上一切，亦是人类精神世界的箴言。从白天至夜晚，光亮至黑暗，此般变化为人类的想象与幻梦打造了双重现实的记忆宫殿，我们在此间构筑宏伟时间跨度的叙事映像。

在光的诠释下万物显现，艺术如是。视觉艺术自人类诞生自我意识至今，经过时间的迭代已然进化到前所未有的程度，现处新世代的艺术更是受到多元素的激发——新的展示空间与多维度的观看形式，催化分解成复杂多样的艺术形态。光滑的、反射的、绚烂的、荧光的、黑洞一般的视觉艺术形态在千禧年之后展露出人类与光相处的新可能。

本次展览将“光”作为一种独特的创作媒介，蕴含着对于未来的期待与对时间性重塑的期许，让观众着迷于这个看似具体但又无法捕捉的主题，在不同的层次和维度中寻觅幻觉与真实的边界。展览集中呈现包括波西亚·兹瓦瓦赫拉、陈抱阳、邓悦君、段官来、郝炜帅、陆平原、石至莹、唐娜·胡安卡、王智一、辛非维·恩祖彼、徐震、张恩利、赵要、郑丽镇、朱玺十五位艺术家的作品，造就了新视觉效应里完全独立却存在某种独特联系的十五个样本。是幻想，是情感，是方法，艺术家们用作品固化他们眼中的世界形态，如同“光敏剂”一般凝聚未知，幻化为当下追梦者期盼的、追逐中的未来。

城市是过去的作品、当代的作品以及将要到来的作品的集束。城市并不⽌是⼀个市⺠⽣活运转的系 统，也是数代⼈的集体作品；它不是⼀本已经写好的书，⽽是⼀本需要被不断᯿读、᯿写的书。正 在到来的新城市⼈将发明出新的城市性、城市形式，把城市做成⾃⼰的作品。每个城市都是由⼀代 代的⼈类存在形成的艺术作品，⽽新城市也“展”于⼀代代⼈⾃⼰的作品之中。 当代艺术向城市提供了复魅的结构，因为它是对时间、空间、身体和欲望的居有，能将空间产品变 成空间作品，将城市住⺠从产品的消费者，变成⾃⼰作品的作者。当代艺术⽀持新城市⼈：

徐震®的艺术实践致力于探索人类文化的现状。他关注现有秩序中存在的预设，并试图颠覆与挑战这些预设。作品使用“断臂维纳斯”的经典形象，经过镂空处理，人们仍可凭借自身的文化经验清晰辨识形象的来源，雕塑系列“经验”得名于此。作品将数字媒体与人文历史中的文化基因进行结合，创造出全新的审美与媒介表现的视角。

喜玛拉雅美术馆曾⾛过⼀段闪耀⽽美好的时光，也为当代艺术做出过应有的努⼒与贡献。潮起 潮涌，跌宕起伏，我们没有迷失和放弃，并在艰难和不易中不断学习和⾃我更新，对未来依然 满怀希望并充满信⼼。 这次展览以《断⽚》命名，虽然显现了某种处境的尴尬与⽆奈，也折射了当代艺术在当下语境 中的失语与失忆。坦诚⾯对这些说明我们有底⽓，同时也预示着我们将重新出发，并继续⽤理 想与激情挥洒在这⽚热⼟，创造和书写新的⼀⻚。 ⼭必有缺，其势荡荡。 《断⽚》是⼀个转折点，接续阳光与希望……

“2020”是一个新的世界时刻，也是一个新的人类时刻。冷战和后冷战以来的意识形态结构随着病毒大流行彻底瓦解，与此同时，旧有的文化政治冲突又卷土重来，进一步加剧了全球化的崩塌和人类世的“洗牌”。

疫情之下，依附于全球资本主义体系的艺术界（乃至整个文化系统）彻底暴露了其脆弱的一面。直到今天，病毒还在肆虐，或明或暗的冲突亦未停息。世界和人类的未来因此变得更加不确定。而此时，我们面临的不仅是如何重拾生活的信心，如何复燃艺术之力，更重要的是，须重新思考艺术在今天该扮演什么角色，它的功能将（或应）是什么。

在这一特殊的历史时刻，先后出生于上世纪60、70、80年代末的王兴伟、徐震、宋拓三位艺术家聚集在一起，透过相互的交集和碰撞，意图激荡出一种新的时代强音和行动之力。他们三位分别生长在东北、华东和华南三个不同的地方，身上都带着浓郁的地方特性，但同时，又有着诸多共同的气质，除了对艺术有着天然的敏锐，还有一种亵渎一切神圣权力的幽默、坦率和自以为是的邪性。清代文人袁枚《卓笔峰》诗云：“孤峰卓立久离尘，四面风云自有神。绝地通天一枝笔，请看依傍是何人？”唯卓尔不群，方可能横绝于天下。这首诗或许是对他们三位最适切的描述。

此次展览有幸集结了三位艺术家近年的创作，它们都充满着无厘头的荒诞感和真真假假的东方主义色彩。它们是时尚的、新颖的，但又不是嘉年华；它们是另类的、非主流的，但又紧贴着大地和时代的脉搏；它们是一部新的审美宣言，但又不是简单的符号拼凑，而是以种种举重若轻或举轻若重的方式，通往对于历史的深思和对于未来的超凡想象。三位艺术家勾画了一幅全球化时代的中国文化、社会和政治图景，尽管看上去显得极其不正确，甚至令大多人厌斥，但其所承载的或许是大多中国人乃至人类世对于未来的期许。

在这个不断升级的互联网时代里，我们也仍要激情地做商业，做激情的商业，把生意做成激情，因为那就是做艺术、做展览。“激情的商业”是著名社会主义空想家傅立叶对艺术的称呼。他把艺术当作一种更广大的生意，当成资本主义式经济之外的生物式经济、政治式经济、利比多经济、贡献式（逆熵）经济中的生意。1999年的《超市展》抛出了这个问题：为什么不可以呢？而在堆栈时代，当代艺术也必须是这样的一桩激情生意：通过这样的交换，使人人都在自动机器、快递包裹和手机屏幕面前享有平等的权利；同时承认并鼓励不同劳动者平等地为公共福祉作贡献，使每一个人都能自由地投身于自己热爱的事业。

这是因为，用当代艺术改造城市核及其商业空间，不仅要支持作为城市共同作者的全体住民对财富的重新挪用，也要通过构建支配性力量，来重新使用城市内的所有共同物，还它们本来的使用价值，使城市成为人人的共同通货，成为人人自己的艺术–小说。

所以眼下这个以“社交·眼界·玩味”为主轴的艺术商业项目，正在实现着一个理想：以文化艺术为贯穿，以国际视野为格局，在商业空间内探讨人与人、人与意识领域、人与城市空间之间的互动关系。

除了结合当代艺术之外，“上海广场”项目也嵌入着历史，它起始于淮海中路东段，今年正值淮海中路辟筑120周年，在时间长轴里，它既是曾经的繁华底色，又是新生的价值见证。这是首次以消费、办公、艺术、文化、创意等多维度于一体的商业模式，是一场让“美好”包裹生活的尝试，而“美好”也早已超越了从前的习惯定义，呈现出更多的涵义与指向。

“全景：世界的因缘际会”是一个跨年度的项目，大体量的空间展示和城市景观遥相呼应。 “全景”的概念最初来自于美术馆空间营造时的关键词之一，强调展览空间与都市场景的并 置呈现，观众在展览空间和空中城市视野之间穿梭游走，艺术作品既是展览空间的一部分也 是城市空间的一部分。建筑意义上的空间和艺术品构建的多时空、多地缘文化的空间交错， 也对应了展览的副标题——世界的因缘际会。

“生活在世界中的人，在周遭现有的条件下不断创造世界，它们或者是现实，或者是梦。人 在诸多世界中风尘仆仆，一个都不能放弃。实际上，在艺术世界中，艺术家也都是现实主义 者，积极地造梦，偶尔开开小差。这对于在此的观众朋友们而言，可以是看看艺术，偶尔俯 瞰整个城市。或者，陶醉于城市全景，偶尔欣赏欣赏环绕身边的艺术。亦真亦幻，似是而非， 将信将疑。我们对世界的把握取决于我们对自身的把握，当局还是旁观，入世还是涅槃，这 些都取决于我们如何把握和他者的关系。”策展人王亚敏的这段论述诗化了展览的观看感知。 在策展人那里，他设身处地与观众站在一起，以观看者论述展览，这种自我抽离也是这个展 览的另一个要素，即展览的不确定性——展览在 9 个月的展期内，围绕城市话题，策展人 王亚敏和金鹰美术馆团队将陆续推出系列公教活动，将具有流动性的讲座和谈话变成展览内 在建构的一部分，形成真正意义上的世界观念的相遇。

9⽉25⽇，由中国⺠⽣银⾏发起成⽴并捐助的⽂化公益机构——北京⺠⽣现代美术馆疫中新展《绵延：变动中 的中国艺术》开幕。展览分为时间\空间、⽣命\身体、⽇常⽣活、物质、表演、情感等六个板块，以常设展的 ⽅式贯穿美术馆全部展厅及公共空间。展览共展出91位中国艺术家的95组件作品，涵盖绘画、雕塑、装置、录 像、动画等多种媒介形式。在中国⾸次推出的当代艺术常设展在⼀定程度上提供⼀个可以参照性地观看当代艺 术在中国的现实状态，但北京⺠⽣现代美术馆坦⾔，他们把⾃⼰定位于抛砖引⽟者的⻆⾊，相信有更多业内同 仁未来将会带来更多精彩的呈现。

「有事发生 SOMETHING HAPPENED」展览，为厦门宝龙艺术中心与NOTHING HAPPENED GALLERY（无事发生画廊）联合呈现，亦是NOTHING HAPPENED GALLERY的开幕展，集结包括徐震、村上隆等47位全球知名艺术家的60余件作品，展品全部为国内首次亮相，种类跨度巨大，涵盖架上绘画、影像、装置、雕塑、摄影等艺术门类，力图完整展现当前最受关注的当代艺术家的创作面貌与创新力量，是目前国内最能展现全球当代艺术风貌的集大成展之一。

在第13届上海双年展“水体”今秋盛大开幕之前，上海当代艺术博物馆将于2020年7月31日至11月15日隆重推出“海浪——历届上海双年展文献及作品展”，重现51位/组国内外艺术家的60余件历届上双参展作品，涵盖绘画、装置、影像等多种形式。本次展览作品多来自于中华艺术宫（原上海美术馆）和上海当代艺术博物馆历年来的上海双年展藏品。展览还将设置两条相互对照的文献线索，分别是以大事件串联的时代发展脉络，以及由诸多艺术家提供的私人物件、照片、资料所形成的个体文献。通过将个人记忆汇聚入历史汪洋的叙事框架，展览将谱写出一段独具情感、波涛涌动、奔流不息的上双过往，以期在一个被迫减速与停摆的后疫情时期，给予观者引古证今的感触与启迪。

展览参展艺术家为：  穆依纳克·比斯瓦思、常青、陈钧德、陈劭雄、陈箴、威廉姆·德·罗杰、丁乙、方力钧、瑞吉娜·侯赛·加灵多、谷文达、洪浩、胡项城、黄永砅、季大纯、莱安德罗·卡茨、梁绍基、梁硕、刘庆元、刘韡、罗永进、毛焰、森村泰昌、鸟头、邱岸雄、曲丰国、Raqs媒体小组、尚扬、苏拉比·夏尔马与特贾斯维尼·尼南贾纳、申凡、加干迪普·辛格、王天德、翁奋、细胞小组、夏俊娜、夏阳、向利庆、萧勤、徐震、严培明、杨振中、张恩利、张洹、张健君、张培力、张羽、张正刚、周长江、周春芽、周滔、周铁海、周啸虎 （按照姓氏首字母排序）

涛声依旧，澎湃如昨——上海双年展历史回顾

创立于1996年的上海双年展，经过24年数代美术馆从业者的学术坚持，现已成为国际最重要的艺术双年展之一。上海双年展不仅是每两年一次的国际艺术事件，更是上海城市更新和文化生产的重要源泉。

上海双年展最朴实的创立初衷便是为中国艺术家构筑与世界有效交流的平台，为中国观众打开一扇了解全球最前沿艺术思考和创作的窗户。上海双年展创办人方增先（1931-2019）在第一届上海双年展的展言中写道：“中国应该拥有自己的国际级的美术展览，为实现真正意义的双向选择和平等交流，这是艺术的高尚理想，也是历史的必经之路。”首届上海（美术）双年展“开放的空间”主要展示来自全国各地画家的架上绘画，其中也不乏诸多调动综合材料进行实验创作的作品。此外，展览更是呈现了陈箴、谷文达、张健君三位活跃于海外的中国艺术家的装置作品。

创立以来，上海双年展始终处于一条不断自我革新与拓展的前进之路，始终扎根于上海本土，“以上海这座城市为母体，以跨文化、跨领域的方式来演练东方城市发展中的一系列命题”（许江语）。1998年，第二届上海（美术）双年展“融合与拓展”以 “继承与拓展”和“吸收和融合”两大板块梳理并展示了水墨这一中国传统媒介在当时文化环境下的新动态。2000年，第三届上海双年展在前两届的奠基之上开展了重大的突破，去掉了名称中的“（美术）”，开始广泛接纳装置、影像等更多样的作品形式。同时，上海双年展开启了策展人制度，并将国际策展人和艺术家引入上双的展览版图，让不同的话语发声并构建积极的对话。自此，上海双年展成为了中国首个真正意义上的国际化双年展。2004年，第五届上海双年展“影像生存”成立了“新闻中心”，借助多渠道媒体的宣传力量触及更广泛的观众群体，有力驱使参观人数逐届攀升。2006年，第六届上海双年展“超设计”正式成立了上海双年展组织委员会，并推出了上海双年展官网。2012年，上海双年展的举办地迁移至上海当代艺术博物馆，在学术委员会和主策展人制度的创立及推行之下，上海双年展以“重新发电”为契机，开始与这座曾为南市发电厂的城市记忆建筑共营互生。

上海双年展的面向丰富多样。2002年，第四届上海双年展“都市营造”讲述了中国当下新型城市建筑的发展，及其居民的生活样态。2004年，第五届“影像生存”则致力于呈现可视化世界之中的影像技术，以及技术与人文的多重关系。2006年，第六届上海双年展“超设计”以设计为起点，试图弥合艺术与实用之间的对立。2010年，第八届上海双年展“巡回排演”则以“世博剧场”的视角观测世博主办城市上海，“排演”就是试验，就是发掘出此时此刻的多种可能性，并将双年展剧场打造成一个多领域、跨媒介的公共现场。上海双年展现今已成为了一个跨学科协作与跨领域对话的平台，其所涉及的话题及产生的影响已辐射到城市研究、哲学、社会学和人类学等更广泛的领域。

上海这座率先拥抱现代性的国际大都市赋予了上海双年展有机生长的丰沃土壤，同时也给予了策展人和艺术家源源不断的思考动力。2000年，第三届上海双年展“海上·上海”策展人侯瀚如认为上海精神内核在于“文化开放性、多元性、混合性及积极性的创新态度”。这届双年展将上海的发展进程视为一种独特的现代性，探讨全球化语境下当代城市的文化定位。2008年，第七届上海双年展“快城快客”聚焦了在迅猛发展的城市之中工作、迁徙与生活的“人”，展览的核心版块邀请了国内外约20位艺术家针对上海的地标区域“人民广场”进行实地调研并作为创作起点。2014年，第十届上海双年展“社会工厂”则将视线从上海的社会现象转移至现代化社会结构形成的内核。2018年，第十二届上海双年展则援引了美国诗人e.e.卡明斯和中国古代神话的“禹步”洞察当今加速发展的世界与艺术家的创作实践之间的关系。

上海双年展始终与其所在地发生积极的互动，将其触角探入城市腹地，将展览空间游牧至街头巷尾。2012年，第九届上海双年展“重新发电”开创了城市馆，邀请了世界各地逾三十个城市参展，并将这些力作分布至外白渡桥-圆明园路-四川北路-南京东路一线的城市历史建筑之中。2014年，第十届上海双年展“社会工厂”以“城市车间”为名延续了城市馆的概念，选取了上海在文化与商业上都具有代表性的“淮海路”及其延伸地带的公共空间作为城市馆分展场，以艺术的方式激活上海最具活力的艺术长廊。2016年，第十一届上海双年展“何不再问”则在三个月的展期中，通过城市项目“51人”发现与观察城市中形形色色的个人故事。2018年，第十二届上海双年展“禹步”采用“城市展览馆”、“城市影院”、“城市考古队”等多种途径为公众提供别样的观察生活视角，深入挖掘出上海独特的人文魅力。

“C”是当下偶像文化的符号，亦是新时代价值观念的产物。“C“不论以何种形式出现在大众面前，都会形成一种能量，存在于偶像、音乐、艺术等形态中，具有无限的可能性；当代艺术同样蕴藏着巨大的能量。

展览是由火箭少女101_孟美岐 & R1SE-周震南发起，艺术家程然x马丁·戈雅生意、何翔宇、廖斐、施政、谭天、徐震以“C”为主题创作而形成的。展览在油罐这个场域中恰到好处地呈现，观众走进展厅不仅能感受到来自“C”与偶像的能量，同时也能感受到油罐以及艺术家带来的能量。

此次“C”数字交互艺术实验以多元的方式推动当代艺术与社会的交流，希望通过展览思考艺术在社会不断发展的过程中应被赋予的价值角色。油罐艺术中心作为一家开创性与多功能的当代艺术机构，我们相信艺术及创新性的实验是当今社会重要的驱动力。

“野蛮院线”：用（你的）青春雕塑城市，把城市做成（你的）作品

当代艺术能对新冠疫情做什么?答案来了：找到艺术新语法，邀新冠病毒与我们共生，在城市核来一段狂欢，用庆祝来平复大家的惊心。让我们接受热血青年的引领，与百毒共生，更发明，更逆熵。

6月12日，公共艺术群展《野蛮院线》将生猛降临在上海的TX淮海|年轻力中心。秉持“当代艺术院线”这一新观念，向上海城市核提供当代艺术式“身临其境”，它将带领观众冲出美术馆、艺术空间和机构，将青春植入当代艺术，去完成已拖欠太久的当代艺术城市使命:用当代艺术去雕塑城市，使城市成为每一个青年自己的作品。

这个当代艺术院线想来回应：当代艺术如何呼应这代青年，去张扬、输出、发明他们的经验、观念和事业?当代艺术须为他们做什么?邀他们来当代艺术之中做什么?当代艺术应如何助力城市青年做激进的城市学习、过发明式团体生活、搞艺术式激情商业，用青春去发酵出新的城市核?

让我们赋权年青人，鼓励他们无界而跨界，去发明城市核的新艺术、新工业和新商业。让我们先向他们提供一条发行自己的活、做、思、创、展的野蛮院线。

《野蛮院线》将从一个叫做“TX淮海|年轻力中心”的商场向全国放射。作为开场首展，20多位中外艺术家将替青年们试水这个“去商场化”的商场，到其中展示大型装置、实时互动项目等，邀观众来构筑自己的艺术现场，去做自己的艺术的作者。Cc美术馆盛情摆出用巨资收藏的全球当代艺术小宇宙，布排出一个全球当代艺术的例外状态，将很学术的当代艺术美术馆嵌入一个城市商业核心，去点燃青春和当代艺术这一城市核创新的双核，以此证明：当代艺术是居有城市时空的手段，须为城市更新服务，在用一些艺术物去搞活城市核心的同时。当代艺术能够发动城市更新，是因为它帮助每一个城市住民

• 将他们的个人时-空做成艺术作品;
• 将艺术作品当作他们居有城市时-空的模型;
• 可以将自己的生命时间写进城市空间，像街头音乐家那样将商业算计空间变成悲怆或快乐的时间，变成他们的作品。

关键概念：当代艺术院线=城市核更新=城市是青年的作品

展览信息：

展览名称：野蛮院线

策划⼈：周大为、徐震、陆平原

学术主持：陆兴华

展览时间：2020年6月12日—2020年8月31日

展览地点：上海市黄浦区淮海中路523号TX淮海|年轻力中心

主办单位：iag

协办单位：TX淮海 | 年轻力中心、ART021、没顶公司 、Cc基金会

参展艺术家：Anish Kapoor, Andreas Gursky, Amalia Pica, Alex Israel,  Donna Huanca, Damien Hirst, Danh Vo, 丁乙, 冯梦波, Jeppe Hein, Kathleen Ryan, 陆平原, 陆扬, Neil Beluofa, Neo Rauch, Ryan Gander, Random International, Rashid Johnson,史莱姆引擎, 王欣, 徐震, 叶甫纳, 曾梵志、郑焕

亚洲协会三年展是美国第一个致力于推广亚洲社群语境下的当代艺术的周期性展览。亚洲协会美术馆宣布本届三年展的展期为2020年10月27日至2021年6月27日，三年展标题为“我们并不独自做梦”（We Do Not Dream Alone）。三年展由来自20个国家的40位艺术家及团体参与。参展艺术家及团体将展示包括绘画、雕塑、摄影、影像、纤维艺术及行为艺术。展览将分为两个连续的部分，并在纽约城市中以多场馆的形式同时开展。延长的展期将有利于优化策展灵活度、开设更多的艺术教育项目、以及实施新的公共卫生准则。

亚洲协会三年展的执行主席Agnes Hsu-Tang表示：“从古至今，各种大型疫情不仅向我们展现了人类的脆弱，同时更凸显人类是如何聚力一体、互相给予力量和希望的。我们相信三年展是一个极好的例子，来印证艺术之力能将人性回赠给这个分裂、脆弱的后新冠疫情世界，特别是在这个针对亚裔及亚洲人的种族歧视飙升的时刻。我们对支持及协办机构表示深深感谢，他们与我们在繁复挑战面前共度难关。”

徐震为此次三年展创作了一整套延续其经典作品《永生》的雕塑，这套雕塑名为Eternity—Male Figure, Statue of Venus Genetrix（2019-2020），融合了标志着东西方最高文明的经典雕像，这套作品探索了艺术史传统中预设的权力结构，并形成对于文化挪用本质的讨论。带着诙谐讽刺，徐震的作品发起一系列关于身体、工匠精神、创造性之于规模生产、窃用之于原创、能动性、以及艺术商品化等问题。

本次展览主题基于世界景观的复杂变化及不确定的状态——协作与冲突、无界与有限、真实与虚拟。本次参展的艺术家们，有相当开放的视野，在装置、录像、绘画、摄影、定格动画、行为表演等综合多元的能量剧场中，各自推进着独创性的工作，不谋而合的联合构筑着敞开的视界，指向更具活力的未来。

全球化带来的物质丰裕、文化多元、科技进步等，让可选项无休止的增多，共同体越来越细分，生活方式在裂变中拉开差异。但近几年来的剧烈震荡，也让人与人之间更加休戚与共，不管是主动还是被动。

“当代”总是临时的，在不确定性陡增的“当代”，人们对确定性的渴望也在陡增。在很多人认同的叙事里，大数据、云计算、人工智能、生物科技等合成着全新的环境，智人正在成为拥有“半神”般能力的生命体，由“制造者”转为“创造者”，专注于创造性的构筑更宜人的生存空间。人是充满局限的生物，这种叙事越是成为主流，越要警惕它让人再次陷入“理性的自负”中。但它描述的前景，以意料之中和意料之外的方式，目前正在部分的成为事实，融入到普通人的日常生活中。

“艺术”也是临时的，它总是在各种需求中被灌注着不同的内涵。资本全球流通、消费主义文化四通八达、异样奇观层层叠叠，此时的艺术在热烈拥抱中孤独落寞，随时流失变形却难以挽留。“当代”和“艺术”，都在迅速面目全非着，转眼之间，又是 “当代艺术”新的一幕——“当代艺术”的魅力，也正在于此。

直觉经验、知识储备、预设前提，以及由此而生的认知、趣味、方法、技能等，随时随地孵化着丰富的差异。很多看似绝对的差异，转换视角后，会发现都兼容在同一维度中，在已知和未知、可知和不可知里互相效力。“当代艺术”本来就没有边界，和处境的复杂互动是它的动力和结果。个体既是独一无二的，又和其他个体息息相关。独立行走和共享资源，从来都是并行不悖的，在地缘政治硬伤累累的当下，共享、联合尤其重要：前提、信息、知识、技能、创意、社群等，在开放的意识中自由生长、灵活联合，自觉和不自觉间构筑着新的复合现场……

本次展览邀请的艺术家们，在多年来的实践中，各自和“当代”发生着密切的关系：对全新的可能性充满好奇，在全球视野中不断刷新知识储备，在未知中实验新的材料、形式和美学，随机应变的孵化着令人耳目一新的作品，创造力在这些过程中源源不断。虽然他们彼此之间有明显的差异，甚至他们的各个作品间也有明显的差异，但从作品中来感知，他们的预设前提有不少可重合之处，在对全新未来的积极想象中持续推进着自己的工作。

在当下的新语境中，相对于全球风行的“联合办公”模式，这些艺术家如同以视觉为重要载体的创意者，各自不断敞开着独特异样的视界并彼此交叠，有意无意中联合构筑着新的奇观，以此来渐变着日常生活的陈腐区域。这种联合构筑的能力和状态，在共识减少、阻隔增多、更加呼唤共享和联合的氛围中，凸显多重意义。而且，“联合构筑”作为动力，本来就内在于当代艺术之中，驱动着当代艺术人在解构成见的同时，各自建构更有活力的话语，并自由联合成多维生长的构筑物。

本次在苏州工业园区公共文化中心·金鸡湖美术馆举办的展览“联合构筑”，既是呼应对前瞻性思想和美学的追求，也期待多元文化在激发和培育中构筑起新视野的畅想，希望能为公众带来全新的视觉体验和艺术浸润，邀请更加广泛、多元的观者参与到当代文化体验中来。

—— 许慎《说文解字》

昊美术馆（温州）将于12月21日向公众呈现的新展《文字的文字的文字的》是一个强调文字作为图像主体的展览。展览中文标题借用了回文诗词序回环往复的造句方法，在重复中回返。展览的英文标题来自诗人、小说家、理论家格特鲁德·斯泰因（Gertrude Stein）的一句名言 “Rose is a rose is a rose is a rose” 中演变而来，意指在认知的法则中，物自身与再现的形式之间辩证关系。

对不起，此内容只适用于美式英文。

“步履不停：1995-2019年中国当代艺术的城市叙事”将于2019年10月18日至12月15日在上海多伦现代美术馆展出。本次展览由上海多伦现代美术馆主办，吴蔚担任策展人，以公共空间和当代艺术实践的交叉点为研究对象,聚焦20世纪90年代中期以来以城市街头为主题的中国当代艺术实践。展览期间，在美术馆内部空间和多伦路街区，将同时展出十七位艺术家创作的当代艺术作品，涵盖绘画、摄影、影像、雕塑、装置等不同艺术形式。本次展览将免费向公众开放。

展览以“步履不停”为主题，关注艺术家在城市街头行走、漫游、渐进的持续旅程。他们的作品表现了艺术家对于社会环境、城市空间及人群的批判性思考，呈现了个人和集体的记忆与经验，并将变革带到日常生活中。

20世纪90年代，随着中国城市化进程的加快，当代艺术家开始主动关注并探索城市公共空间，他们改变了以往对公共空间的认知和介入方式，进一步扩大了文化和美学表达的范围。当艺术进入人们日常生活中熟悉的场所和领地，“街道”不仅记录了艺术观念和实践变化的轨迹，也见证了城市发展和公共文化的历史，突显了其中社群生活的特性与意义。本次展览尝试让艺术成为连接美术馆与社区、艺术家与大众之间的桥梁。

本次展览还将展出特别项目“‘62761232快递展’档案”，这是“62761232快递展”的文献档案首次在国内美术馆与公众见面。2004年9月，由上海比翼艺术中心发起，四十二位艺术家和十五位快递员参与了一次特别的“外卖”展览。“快递展”期间，上海市民可以通过拨打快递公司的电话，让快递员将浓缩在一个行李箱里的展览带到面前。十五年后，我们将通过当年展览的文献档案，回顾这个具有启发性的艺术项目，展现艺术家在大变局时代的独特视野与前瞻性，重新定义艺术、公众和城市之间的关系。此次特别项目得到香格纳画廊文献库的大力协助。

本次展览将同时参与2019上海城市空间艺术季联合展，以及2019年“1+16”美术馆市民共享计划，以“艺术美育再升级”为目的，使市民和美术馆的距离更近，参与更多，体验更佳，从而不断提升市民的内在审美和人文素养。

通过本次活动展示的不同门类的艺术作品，以及配合展览举办的论坛、讲座等公教活动，希望吸引更多的市民参与互动，为整个多伦路街区的发展拓展思考空间。在此，观众和艺术家都是现代都市的行者，共同感知当代城市的肌理，挖掘现代生活的细节，激发创造性思维，使重塑城市空间和公共生活成为可能。

始办于2015年、每两年举办一次的“上海城市空间艺术季”将于2019年迎来第三届。4月17日，主办方对外发布了本届艺术季的主题——“相遇”，并公布了举办地点——杨浦滨江，总策展人由国际知名艺术家、策展人北川富朗担任，展览将从9月底一直持续到11月。

不同于其他文化艺术活动，“上海城市空间艺术季”从创办伊始就定下了“流动展场”的办展策略，即并不固守某一展场进行布展，而是由市规划资源局会同市文化旅游局在每届举办前，挑选具有典型意义的区域来承办。2015年首届艺术季主展场馆选在了徐汇区的西岸艺术中心，2017年第二届主展场馆则定位浦东新区民生码头八万吨筒仓。

2019年第三届“上海城市空间艺术季”以原上海船厂旧址地区（包括船坞和毛麻仓库）作为主展展场和展馆，杨浦区滨江南段5.5公里滨水公共空间作为户外公共艺术作品的延伸展场。这也是艺术季首次从室内走向室外，将艺术品植入公共空间。

此次主展分为“城市空间艺术”和“规划建筑”两大版块。

在城市空间艺术版块，艺术家将结合杨浦滨江的历史底蕴、空间特点和未来展望，创作约20件公共艺术作品。上海市城市公共空间设计促进中心主任徐妍透露，这些艺术家是来到船坞进行创作，而不是将已有作品搬来展馆。同时，艺术季也提供了5个公共艺术品点位，向世界募集优秀作品。包括艺术家在地创作的作品和募集来的作品，都有机会在展览结束后，永久留存在5.5公里滨江空间中。

规划建筑版块则将演绎国内外滨水空间的规划建设理念，综合呈现上海一江一河建设的成就和未来展望，丰富本届空间艺术季的知识性和趣味性，激发人们更多的理性思考，引导形成对滨水空间发展目标的社会共识。

除了举办“主展”，艺术季还将邀请与主题相契合的城市空间举办“实践案例展”、“联合展”以及开展各类公众活动，用近2个月的时间展现上海近年来遍布全市的各类滨水空间贯通、品质提升的建设成就及未来愿景。

此外，上海空间艺术季还与上海国际艺术节、市民文化节、上海旅游节合作，融合“上海服务、上海制造、上海购物、上海文化”四大品牌建设目标，以空间艺术季的展场为载体，推出丰富多彩的市民美育活动，用空间承载美好生活。

本届艺术季由上海市城市雕塑委员会主办，上海市规划和自然资源局、上海市文化和旅游局、上海市杨浦区人民政府共同承办。

“自由棱镜，录像的浪潮”，纵览自上世纪80年代以意识形态解禁、思想启蒙为肇始，至今日全球化消费主义时代，30年间中国录像艺术迭变的概貌，邀请十七位活跃于不同时期在录像创作领域具有影响力和代表性的艺术家，试图穿过纵贯的时间轴线，强调对杰出创作个体的考察，既回溯历史丰富的褶皱与切面，又呈现当下社会与技术进程带来的观念刷新和激荡。

你吃过了吗？

值沪申重启开幕之际，外滩三号历史上首次以整座建筑呈现沪申开幕展“Pal(ate)/ette/”。

2019年9月20日至10月31日，69位艺术家的100件作品将以沙龙展的形式在沪申和外滩三号的餐馆酒吧中展出，与建筑的陈列品和环境展开对话。

本次展览亦是nrm作为新沪申艺术总监的首次策展项目。

展览以沪申为核心，在外滩三号整座建筑中呈现展览作品。展览标题——Pal(ate)/ette/由同形同音异义词Palate和Palette构成，寓意本次在外滩三号呈现的展览将给观者带来一场由味觉、视觉、听觉、嗅觉和触觉构成的感官文化综合体验。

构成展览标题的单词 “Palate”（鉴赏力、上颚）代指能辨别并品味食物不同味道的能力，另外一个单词“Palette”（调色板、色彩）则指广域色彩范围或简单指艺术家用来混合颜料的工具。

Pal(ate)/ette/ 包含截然不同，却彼此交织的两种感官形式：色与味。艺术家、艺术品、外滩三号厅堂沙龙，以及上海这座城市本身，皆因为两种形式的碰撞而产生了关系。本次展览对美学的丰富性、色彩的物性、大快朵颐过程中食物和食材作为媒介和主题的感性，以及外滩三号高雅审美与精致美食体验形成的交际和社会习惯进行了探讨，这是一次美轮美奂的奇妙之旅，通过涵盖视觉、嗅觉和空间、浸入式体验、包罗万象与充满冥思的迷人感受激发观者的想象，从而营造出无限的可能性。本次展出的作品也因这些可能性而产生共鸣、形成互文，并最终丰富彼此。

Pal(ate)/ette/ 是一场通感之旅。从踏入展览那一刻，直至观展结束，色与味作为构成艺术与食物的元素，始终在影响观者的感官，一如我们的日常生活，这正是Pal(ate)/ette/一词的寓意所在。

进入外滩三号，自下而上，在每个转角与展示空间，放眼望去，皆可与展品不期而遇，Pal(ate)/ette/不仅是一次觥筹交错的艺术品鉴之旅，更是感受生命本身的社交场域，漫步于外滩三号的建筑、历史、餐厅和画廊之中，与更多艺术爱好者、美食家、品酒家相知相识，在多元思想的碰撞之下，在巧妙构思呈现方式所构建的诗意想象中感受似水年华。

群展《Then》庆祝白兔美术馆成立十周年这一伟大历险：在激动惊喜的10年里展示了中国当代艺术在创造力、胆识和技术上的成就。画廊的十周年展览呈现了60余位艺术家的作品，这些作品全部来自于 Judith Neilson 开始私人收藏的前10年（2000-2010）。部分作品为2009年首场白兔展览的亮点作品。

香港，2018年8月28日 香港苏富比将首次以艺术概念作为拍品上拍，开创亚洲拍卖界先河。《徐震超市》是中国当代艺术家徐震的经典之作，广受称誉。作品重现一间中国便利商店的配置，旨在讽刺消费主义和全球资本主义。《徐震超市》的前身作品《香格纳超市》，于2007年巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会上首度登场，随后巡回世界各地展出；2016年，徐震把概念进一步升级，《徐震超市》随之诞生。

《徐震超市》作品以实体商店形式在苏富比秋拍预展上呈现，于上海（9月1至2日）、北京（9月4至5日）及香港（9月28日至30日）公开展出，并开放予公众参与。部分拍卖收益将捐赠予中国重庆非盈利独立艺术组织‘器空间’，以支持新晋及实验多媒体艺术家。

艺术家徐震表示：‘此为拍卖界首次有超市（概念）上拍，可算史无前例。这次与苏富比的合作带来了重大突破。我很高兴能把《徐震超市》带到国际拍卖平台，并与苏富比联手，继续挑战艺术与世界的界限，冲击大众的惯常认知。拍卖的部分收益将用作支持非盈利独立艺术机构“器空间”，令这次合作更具意义。

’

《徐震超市》既幽默亦富颠覆意味。超市内的货架摆满商品，从高露洁牙膏到贵州茅台酒瓶，琳琅满目。然而，每件商品的内部却被清空，仅存包装空壳。店内收银机运作如常，参观者受邀以正常价格购买空无一物的产品包装^。每一个购买或拒绝购买之举动，以及背后的思索和抉择过程，颠覆了看似无害的日常消费行为，并对包装推广、消费文化，以至全球资本主义作出诙谐却尖刻的反思与批判。《徐震超市》在如此的背景下首次在拍卖市场上出售，更引人深思。

本次展览以入眠的不同阶段为线索将展览空间分为三个部分：微寐、沉酣、愈醒。

Chapter 1 微寐

Chapter3 愈醒

“愈醒”意味即将苏醒的情形，这时候的意识与思绪渐渐恢复正常，却还流连于梦中，人眼前的景象慢慢回归现实，在初醒时还想抓住记忆的尾巴，但往往却徒劳无功。

1899年，弗洛伊德的《梦的解析》Die Traumdeutung 出版，第一次将人类的视野，从白天拓展到隐秘的的夜晚，一百二十年来已被重印无数次，而它的“中国版本”《周公解梦》甚至已经出了电子版。你是否也有所察觉，那些光怪陆离的梦境依然一刻不停地出现在脑海里，让你时常疑惑与不安。你也许在好几年的时间里反复做同一个梦，又或者你曾经做过一个到现在依然在记忆里无比清晰的梦。

深圳华·美术馆主办的“策展课——策展与设计”展览将于2019年6月22日下午4点开幕，展期持续到9月8日。展览邀请崔灿灿作为发起人，以策展与设计为主题，由37位（组）不同类型的艺术家和项目提供其代表性作品，包括绘画、装置、雕塑、影像等。展览将以这些艺术作品作为基础素材，邀请8位策展人对本次展览提供不同的方案，通过各自的学术背景和观念构思，将37件作品和项目进行重构式的组合，形成全新的展览叙述文本进行展出。

开幕翌日，发起人崔灿灿还将带来“我们在参与“系列讲座第63讲”策展故事的魔方”主题讲座，将艺术作品比喻为魔方的不同小块面，而策展则是将魔方串联变体的方式。

展览期间，在实体展览不变的前提下，8位策展人将陆续提供各自方案，不断丰富他们各自对展览叙述方式和陈列方式的思考与设想，并于展览后期呈现策展方案最完备的状态。9月初展览闭幕前将举行为期2日的闭幕研讨会，邀请策展人对其策展方案和思考轨迹进行分享与讨论，共同探讨和反思策展的功能及价值。

“一个故事有几百种讲述方式，不同的讲述方式也形成不同的意义和功能。37件作品像是一个魔方的不同的块面，8位策展人可以给予其无数的变体，策展的价值和功能即在于此。”

——崔灿灿

巴塞尔艺术展（Art Basel）,是目前国际上顶尖的现当代艺术展，每年在瑞士巴塞尔、美国迈阿密及香港三地不同期举行，是全球艺术的盛会。巴塞尔艺术展旨在发掘和鼓励新晋艺术家，为他们提供良好的展示平台，呈现崭新的视觉艺术。同时也是世界顶尖藏家的天堂，每年的现场艺术品成交额都在不断刷新。

意象无限（Unlimited）旨在突破传统禁锢，挑战超前思潮。共有72件包括装置艺术、大型雕塑、录像投影、壁画、摄影系列及表演艺术作品展出，可以感受到艺术家们尽情释放的野性与灵性。

由江宁和鲁明军共同担任策展人，艺术家徐震、范勃担任艺术顾问的“极限混合”——2019广州空港双年展（以下简称“空港双年展”），将于6月1日在广州市白云区人和镇凤和村广州翼·空港文旅小镇正式开展。本次展览为期三个月，将于8月31日结束。

参与本次展览的中外艺术家共有81位/组，展出逾100件/组作品，涵盖了绘画、装置、雕塑、影像、表演等各种艺术形式。其中有超过40件/组作品，是艺术家根据本次展览所在地拥有的独特人文风貌而创作。展览也将首次公开包括来自艺术家埃利亚松、草间弥生等在内的6件/组从未在国内展示过的大型装置作品。同时，多件/组作品将在展览结束后继续保留在凤和村中，助力当代艺术真正介入社区和村民的日常生活。

作为首届广州空港双年展，策展团队着力于“双年展+”新模式的探索，致力将地域民俗文化与当代艺术有机地结合，以期撞击出一片独特的景致和风貌，从地域本身打造一个“文化混合体”。

极限混合

当代艺术赋能乡镇文化

选择“极限混合”作为首届空港双年展的主题，主策展人之一的鲁明军谈道，“空港小镇因为地处郊区及其别样的生态，在城市化的过程中，本身就是一个‘文化混合物’”，而“混合”也体现了广州这个传统文化底蕴深厚，又最早成为中国港口城市的独特气质。

鲁明军提出，“‘混合’无疑是全球当代艺术的普遍方式和特征，可以说，‘混合’已经成为一种全球性的文化方式。”因此，通过“极限混合”这样一个大型展览，希望在全球化衰退和越加壁垒愈加分明的今天，再度传递一股新的激进力量和文化动能。

作为本届双年展主策展人之一的江宁，曾于90年代初生活在广州人和镇。对比中国近30年的发展，人和镇内诸多村落在文化生活上却呈现出愈加贫乏的状态，江宁认为空港双年展的举办将是为当地文化信心树立的最好方式。他表示：“我们希望空港双年展能够为这个小镇营造出一个文化艺术的氛围，去改变当地居民们的思维和生活方式，并希望未来它能够真正成为一个可持续产生艺术事件的小镇。”

模式创新——“双年展+”新模式

文化坚守——尊重本地自然环境与人文环境

“极限混合”——2019广州空港双年展探索“双年展+”新模式——通过“艺术介入空间改造”、“创新市集”、“传统文化”以及“空港元素”四部分充分体现公共文化聚合力。同时，空港双年展以“3+365”的方式带来一个真正可持续发声的艺术事件——“3”表示本届展览展期持续的月份，而“365”则表示了在双年展结束后，包括香格纳展库、没顶公司、张鼎控制俱乐部都将持续至少一年的驻地计划。空港双年展策展团队致力于以引入外地艺术机构并同时联动当地艺术机构的方式，在地创建具有学术价值的文化生态圈。

在整个布展过程中，空港双年展秉持以尊重本地自然环境与人文环境为核心，力求在维护在地风物、习俗及语言等岭南原生态文化的同时，保持艺术家创作线索在实践中的完整性。以充分尊重村民民主的前提激发艺术家的创作与地域文化和空间特征直接产生联系，并为当地保留下具有存续性的作品。

艺术家范勃、乔晓光创作的作品，都将作为可体验的内容进行长期展览，而艺术家毕蓉蓉创作的《无用的理想空间（二）》，不仅延续了对于商铺空间价值和理想化属性的探讨，也将在“握手楼”这一特定建筑的立面下，以新形态风景为隐喻长期发酵。其他以艺术介入“握手楼”改造的艺术家还包括丁乙、陆平原、李鼐含等。

与此同时，空港双年展也将借艺术介入空间的形式，将当代艺术的价值真正渗透到生活之中，启发村民开拓和升级当地的商业业态，促使本地的整个经济生态面貌发生改变。如艺术家张鼎创作的装置作品《GOLD CAN MOVE THE GOD》，不仅延续了以往这一系列的艺术性与实验性，同时也将作为酒吧来经营，对小镇产生持续的商业价值。

四万平方米户外开放空间

打造空港小镇艺术文化新聚力

本届空港双年展将以广州翼·空港文旅小镇户外的开放空间作为主展场。面对四万余平方米的庞大空间，策展团队对此进行了四个区域的划分（A、B、C、D）。坐落在A区内的红一祠堂改造后将作为大师展区；B区集中展出近十件大型户外装置作品；本届空港双年展针对作品指向及其与空间匹配度等综合条件，特别策划的艺术家介入改造项目，则主要集中在C区。

D区将作为本届空港双年展的新媒体主展区，艺术家通过对村落中早已凋敝残败的老宅进行再创造，共同创建出14间新媒体空间，其呈现的反差感将不仅仅带来视觉的震撼，也是一次关于当代文化的新的思考和实验。这其中包括了来自吴珏辉，葛宇路，宫岛达男，莱恩Ÿ甘德以及前teamLab成员新锐艺术家李昊哲等三十余位艺术家的作品。新媒体空间区的展品作为当代艺术形式中的年轻视角，将在沉淀了几代人生命经历的建筑中激荡起新的感官体验。

空港双年展也将分设单元展—— 在“闪回凤和”人文展中，凤和村作为百年历史村落，所承载的岭南民俗文化将通过大众流行方式，生动地连接与再现凤和村的历史风物。

空港双年展并不满足于打造一场短暂的艺术盛宴，而是因地制宜地提出具有颠覆性与前瞻性的重设，在以艺术动能振兴地域经济的大环境下，区别于其他国际性艺术展览的模式，以独特的理念与办展形式，在符合地方历史与空港小镇的功能和特征的条件下，打造属于空港小镇独特的艺术文化体验新聚点。

展览“建立中”聚集了13位在国内与国际当代艺术界最具有代表性的艺术家，展览邀请他们将长期创作生涯中不为人知但有重要实验性意义的作品展示，试图阐释艺术实践或艺术机构实践“起点”及“终点”的动态流变关系，同时旨在思索并探讨“建设过程”的意义。

阿联酋沙迦–(美国商业资讯)–在阿联酋最高委员会成员、沙迦酋长Sheikh Dr. Sultan bin Muhammad Al Qasimi殿下的支持下，第14届沙迦双年展(SB14)于周四在Al Mureijah的沙迦艺术基金会(SAF)艺术场馆启动。

今年的SB14主题为“走出回音室”(Leaving the Echo Chamber)，将包含三大别具一格的展览：Zoe Butt的《超越箭矢之旅》(Journey Beyond The Arrow)、Omar Kholeif的《创造新时代》(Making New Time)和Claire Tancons的《在你周围寻找我》(Look for Me All Around You)。

SB14吸引了来自世界各地80多位知名及新兴艺术家参展，其中包括60多位新委任的艺术家，许多前所未见的作品将在沙迦酋长国各地展出—— Mureijah广场和艺术广场(Arts Square)，以及在SAF位于Al Hamriyah的工作室、东海岸城市卡尔巴(Kalba)和乌姆盖万(Umm Al Quwain)的其他场所展出。

沙迦艺术基金会还将于2019年3月9 -11日在Al Mureijah的沙迦戏剧艺术协会(Sharjah Institute of Theatrical Arts)组织举办2019第12届三月大会(March Meeting 2019)，其中将包括小组讨论、表演、电影和艺术制作，所有活动均与SB14三场展览的主题相呼应。

此外，在SB14期间，还将根据今年的主题“走出回音室”为阿联酋的影迷举行独立影片播映活动，并开展教育活动。

针对成人及儿童的活动包括摄影、绘画、写作和戏剧表演工作坊。此外还将就摄影技巧、木偶戏、绘画、乐器和伊斯兰艺术等各种主题开展其他针对残障人士的工作坊；而学校和青年中心的活动则就抽象艺术、建筑和故事讲述等主题开展一系列工作坊和实地参观。

SB14的举办得到了金牌赞助商梵克雅宝(Van Cleef & Arpels)和银牌赞助商Crescent Petroleum的大力支持，亦得到沙迦市政厅、沙迦公路和运输管理局、沙迦水电局、Bee’ah、迪拜经济部门、阿联酋及法国的法国文化中心(Institut Français)的非现金支持。

沙迦双年展是阿拉伯国家最重要的文化盛事，自1993年创立以来，为支持阿联酋乃至该地区的艺术发展发挥了举足轻重的作用。

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2017年10月6日,美国本土举办最大规模的关于中国当代艺术的展览”1989后的艺术与中国:世界剧场”在古根海姆博物馆开幕.展览由古根海姆高级顾问亚历山大·孟璐(Alexandra Munroe),北京尤伦斯当代艺术中心馆长田霏宇策划组织,罗马MAXXI博物馆艺术总监侯翰如担任策展顾问,参展的近一百五十件作品来自75位艺术家或团体。

这里是上海

“这里是上海”作为一个当代艺术项目邀请了十位来自中国的重要当代艺术家，反思城市文化的发展及变迁，并向利物浦与上海这一段姊妹城市的双城记致礼。展览由利物浦市府文化局与眼界美术馆联合主办，作品将呈现在利物浦的标志性景观区海港码头：其中包括作为“这里是上海”主展场的邱纳德大楼，利物浦泰特交换空间、曼恩岛及利物浦博物馆。本次展览还将精选作品于公共区域与观众见面，力图在利物浦这个城市发掘并重新想象上海的日常现实。

“这里是上海”与第十届利物浦双年展同期举行，作为利物浦市府文化年度项目“中国梦”三部曲系列中的第二篇章，旨在探究和学习中国当代文化，并以此庆祝该市在2008年荣获“欧洲文化之都”之美誉十周年。策展人姜节泓是一位地地道道的上海人，自1998年起定居英国。在过去的二十年里，频繁往来于中英两国之间，他对于文化差异和交流有着自己独特的理解。在此次项目中，姜节泓携手参展艺术家包括梁玥、陆平原、施勇、徐震、杨福东、杨振中、于吉、原弓、张培力和周啸虎，其中有上海土生土长的艺术家，也有从中国其它地区移居到这个城市的艺术家，将上海生机勃勃的都市生活以及丰富的文化身份展现给英国观众。

《WAVELENGTH：出厂设置——沉浸式艺术体验大展》将于 2018年7月8日至10月8日在上海宝龙美术馆举行，本次展览由上海宝龙美术馆和品口（上海）文化传播有限公司联合主办，带来40位来自全球不同文化背景和实践领域的艺术家及设计师，通过百余组视觉艺术、时装、装置、雕塑、新媒体互动艺术等作品，呈现当代艺术创新者对于创作媒介和艺术表现形式的多元化探索，以及他们在高度数字化时代中重构的人与物质的关系。

展览试图对物质本身到其生产过程，以及它们的生灭循环与可再生力进行探讨，重新审视物质在日常生活中扮演的角色。艺术家如何重构具有普遍性的物质材料、又是如何对后工业时代中资源浪费与快速消费问题作出阐述？在展厅内，旧衣上正在发芽的植物、钢筋脚手架与货架、随意抛弃的家具和垃圾、扭曲的白炽灯管、玻璃反光和 LED 光线错落交织成的超现实空间……展现了一幅都市生活的解构性视野。生产、消费、使用、丢弃的循环中，物质和材料一次又一次地经历”RESET“——转化和重建的过程，再度进入到生态体系中，而人类的一切行为，又都终将反过来影响我们的生活。

展览位于宝龙美术馆一楼，共4个展区。法国艺术家查尔斯·佩逖伦（Charles Pétillon）于美术馆入口的公共空间创作了特定场域装置。威尼斯双年展参展艺术家克劳迪娅·卡萨里诺（Claudia Casarino）、Gucci 合作艺术家 Trevor Andrew（即Gucci Ghost）、DANSK 时尚大奖获得者亨利克·维斯科夫（Henrik Vibskov）、荷兰时尚大奖获得者巴斯·科斯特斯（Bas Kosters）均带来了他们的首发新作。展览还囊括多位惠特尼双年展参展艺术家作品，如阿曼达·罗斯霍尔（Amanda Ross-Ho）、大卫·罗宾斯（David Robbins）、约翰·瑞本霍夫（John Riepenhoff） 、塞姬·罗伊（Saige Rowe ）。德国当代抽象艺术代表安塞姆•雷尔（Anselm Reyle）及中国艺术家徐震®也将展出作品。

此外参展艺术家及团队还包括亚当·格林（Adam Green）、贝亚·弗伦德曼（Bea Fremderman）、胡颖琪（Caroline Hu）、程然、陈抱阳、丹尼·帕里洛（Daniel Palillo）、 埃内斯托·纳兰霍（Ernesto Naranjo）、弗朗西斯科·德·帕哈洛（Francisco de Pajaro）、方妍楠 SUSAN FANG、格拉汉姆·哈德森（Graham Hudson）、加布里尔·普莱契（Gabriel Pulecio） 、谷姆∙许（Goom Heo）、Han Kim、贺诗哲（SHIZHE HE）、乔纳森·罗森（Jonathan Rosen）、詹姆斯•克拉（James Clar）、Jae Ko、谭婧、Ken Thaodee、缕薇（Lunéville）、罗苇、杨牧石、POSE、菲利普·考尔伯特（Philip Colbert）、STUDIO AUBRUINO、童昆鸟、谭婧、Venus Lo、王欣、武子杨。

WAVELENGTH 力求打破艺术展览的固有模式，打造出零界线的创作展览空间，同时伴随着艺术快闪店以及各种公教项目和特别活动，以进一步将富有想象力的艺术旅程与观众的日常生活融为一体。

此展起名为“吉金鉴古”。“吉金”，是对中国古代青铜器的泛称，不止因为其物理属性，更有深厚的文化意义。“鉴”在古代汉语里有“镜子”和“鉴定”等多重含义。

芝加哥艺术博物馆是美国三大博物馆之一，位于芝加哥市中心，收集展品极为丰富，时间跨度由公元前3000年古埃及的古陶乃至当代的波普艺术，简直可称为万国博物馆。“19世纪末20世纪初芝加哥艺术博物馆的亚洲艺术才开始建立。” 汪涛教授早期接受雅昌艺术网专访时曾透露，亚洲艺术部成立之后，“芝加哥艺术博物馆最大的一位赞助人继承了家族遗产，她特别喜欢亚洲艺术，就和当时亚洲部的负责人一起策划购买中国艺术品，其中有很多中国商周青铜器。”而他到芝加哥之后，“因为我自己真正的专业还是青铜器研究，所以决定策划一个青铜文化展。”

多方机缘下，经过两年多精心筹划，由汪涛策展的“吉金鉴古：皇室与文人的青铜器收藏”大展开幕。“这个展览会与之前大家看到的青铜展不一样，以往的青铜展大多是考古新发现，介绍最新的研究资料。而这次展览的合作方主要是故宫博物院和上海博物馆，这两家博物馆的藏品都是以传世青铜器见长，所以筹展的主题立足点是清中期皇家收藏和文人收藏，从收藏、文化、传世青铜器收藏的角度进行展览。”本次“吉金鉴古”展览从青铜器的功能和宗教礼仪含义、青铜器的收藏、分类，及在中国文化中的意义等角度展示古人收藏青铜器的传统和由此发展出的金石学，及其对重要历史人物和当时社会的重大影响。展览以青铜器在历代皇家和文人生活中的呈现为脉络，为观众呈现出历史不同时期，青铜器与人类文明生活之间神圣而又紧密的文化传统，展示出青铜文明在中华历史文明脉络里在各个历史时期对文化和礼制社会发展，起到的独特引领作用。从宋徽宗开始，皇室利用国家力量建立起青铜的收藏体系，而文人则建立了另一个收藏线索。两个体系既有冲突，又相辅相成，到乾嘉时代金石学再度兴起，像陈介祺、潘祖英、吴大瀓、端方这些晚清以来的文人都是收藏青铜器的大家，皇室和文人收藏形成两条并行的系统。“到了今天，中国人做得很多活动，都将具有象征意义的青铜鼎作为礼物，可见我们的文化和思想还是从传统发展而来，这个展览能让人意识到原来没有意识到的东西，原来青铜器离我们这么近，而不是说一件几千年的文物，看不懂，通过展览让观众发现青铜器与我们的生活和思想是有关系的。”因此在汪涛眼里，这个展览呈现的不仅是藏品本身，更多的是文化。“每件器物都是有故事的，有些器物是朋友送的，有的是买来的，一件器物在文人中间的流传或从皇宫流入私人手中，这个过程是对整个社会变化的一种反映。”

《根茎—中国当代艺术的自主性研究展》是由今日美术馆策划，并得到北京文化艺术基金支持的2017年度资助项目。

这个展览试图在全球化背景下，深思中国代表的新兴国家对国际政治和经济产生的巨大影响的同时，面对如此急速变革与发展的现代社会，总结中国当代艺术呈现的独特发展路径和表征，以回应国家文化发展的战略，具有一定的学术价值和文化意义。自改革开放以来，中国当代艺术始终保持开放的活力，在汲取西方营养的同时，不断融合形成开放性与多样性的新的艺术形态。由于根植于具有中国特色社会主义的语境，中国当代艺术在近十年多年来表现出自主性精神和主体性意识——无论是从形式到内容，还是从观念到语言，多样的艺术实践都有力地诠释和证明了主体性— 对文化身份的认同，对艺术表现的自信，对艺术个性的伸张，等等。

本次展览的主题“根茎”（Rhizome）一词，来源于法国哲学家德勒兹的哲学理论，他将“根茎”比喻为一种复杂的文化隐喻和游牧论的思维模式，它代表着一种开放性的、非中心的、无规则的、多元化的形态和活力。“根茎”恰好形容和概述了中国当代艺术走出一条独特的路径——在融合中不断生长，在生长中产生差异。因此，本次展览特别聚焦这样三个视角切入对于中国当代艺术的研究及思考：多重与共生（Multiplicity and Symbiosis），连续与裂变（Continuityand Fission），非线性与再编码（Nonlinearity and Recodification）。

地标往往是指一个景观显著的地方：山峦或湖泊、庙宇或大厦。过去或当代的地标都是人们聚会之处，并形成集体的记忆。展览《地标》选择了当代中国艺术发展进程中五件纪念碑式的大型装置，无论是在直接或象征意义上，或就其社会性的效果，都如同地标一般帮助我们认识历史和面对现实。参展的4位著名艺术家徐冰、黄永砯、孙逊和杨福东年岁不同，创作观念和手法也有很大差异。但这五件装置展示在一起，能引发我们对地标的思考和讨论。这些地方塑造了我们的过去，也在创建我们的未来。

北京尤伦斯当代艺术中心（UCCA）和上海爱琴海购物公园联合呈现的大型公共艺术项目“镜像”于2017年12月16日与公众见面。展览通过委托20位海内外知名艺术家，根据爱琴海购物公园的地缘环境和空间结构，专属创作了25件涵盖绘画、装置、影像等类型的艺术作品。“镜像”的整个策划，着重考虑艺术品与公共空间、时间以及当地人文地缘之间的多重关系。UCCA的副馆长及本次项目的策展人尤洋，也在介绍整个项目时表示，这些艺术家在塑造一个公共意义上的艺术项目，并且警惕公共艺术品最终仅成为公共空间中的装饰品或工艺品。往往装饰品缺少了参与的主动性，工艺品则忽视了表象之外的思考。

空间本身是一种静态的存在，但是通过对其空间的设置可以主动干预空间中人的行为，往往这种干预是带有决定性因素的。在整个购物公园的场域中，主办方对艺术品的安置充满了主动性：25件不同形式的艺术作品被分散地放置在地下一层至九层的公共空间里。从户外到室内，从下沉式广场到顶楼空间，从显眼的大厅中央到通往洗手间相对隐蔽的休息区域，艺术品被精心安排在商场不同特性的空间中，只要公众进入此空间，就难以避免与艺术发生直接或间接的关系。可以相信，即使是一个对艺术毫不敏感的人，在商场里走上一圈，也忽视不了整个空间持续传达出的“艺术”信息——走廊中的一个转身，天井旁的稍事休息，在不同楼层间乘坐电梯转换的过程，都有机会遇见艺术。由此，艺术空间与商业空间之间的界限被主动打破，也形成有机的融合。

艺术家除了对空间的主动使用，其作品也赋予了多维度的内涵和精神性。无论是徐震对现代都市与欲望的放大式思考，或是刘韡通过作品将观众与商场的环境转化为一场基于现实的剧目，亦或翟倞对消费者与劳动者双重身份的提醒，还是石青对打破阶级性的呼吁等等，20位艺术家的作品在这个巨大的城市综合体之中如镜子般映射出了生活在后工业时代的人们，所具有的复杂身份以及随之而来的多重问题。如果观众能掌握阅读展览的能力，他们从“镜像”中多获取的信息量会相当的庞大。

然而，正因为“镜像”在试图打破艺术空间与商业空间的界限，所以我们在观展时会一直思考，对于不具备阅读展览、分析艺术的能力，甚至没有欣赏当代艺术经验的消费者，这些艺术品又意味着什么？策展人在媒体导览中也吸引了一些商场里的普通消费者，其中有位观众在听完一件作品的介绍后笑着对朋友说“不听解释，我们都看不懂。”这一插曲恰恰让我们切实地感受到了“镜像”的实践效应：将艺术直接暴露给对艺术不熟悉的普通观众所带来的可能性。对于一个对当代艺术没有过了解的人来说，“看不懂”是再正常不过的反应，即使在纽约的MoMA，又有多少观众会说自己看得懂？“懂与不懂”并不是问题的关键，或许对于任何一个中国观众，更缺乏的是一次亲身感知艺术的机会。

“镜像”在这里需要面对的现实，还包括突然切换身份的观众。通常出现在美术馆里的观众，在决定走进美术馆的那一刻就清楚自己即将成为艺术观众，但是在这个综合了商业、生态、艺术的超大型城市空间中，从一个单纯的消费者转换为艺术观众会是一个毫无心理预设的突发过程。在这个新型的环境中，无准备的观众会与艺术产生怎样的化学作用，对于艺术家、策展人，甚至是商业空间的经营者都是一个新的研究课题，且需要进一步的观察。正如在展览介绍中策展人写道的：‘镜像”既是一部作品，也是一种生产，一种城市社区的精神，一种提问的方式。”

这是三个不同的个案，呈现的是三种迥然有别的特质和气象。起初，我曾试图将三者有机地合为一个整体，试图通过“命题”或“搭建”串起一部叙事，结果在讨论、磨合的过程中，发现这是一个异常艰难之举，甚至是一个根本无法实现的“妄想”。但是即便如此，我还是竭力想在他们不可撼动的语言系统和特意为此次展览准备的新作之间抽出一个可述的角度和路径。

宗教情怀和无目的的行走并没有化解何岸的日常“焦虑”和“狂躁”，倒是常常碰撞和闪现出灵感的火花和久违的质感。基于铝板、铅笔、钢、水泥、织物这些“廉价”的材料和现成品，他尝试重探物质、身体与视觉的诸种临时关系，以及隐伏其间的图像叙事和更多微妙的感知维度。四千多年前的斯通亨奇巨石阵，在徐震（没顶公司出品）这里，意外地成了中国传统武术表演的舞台。这种嫁接固然可以追溯到之前的“永生”系列，但除了戏谑、调侃式的象征关系以外，别具深意的还有身体如何丈量大地、时空，以及瞬时让人一愣的幻觉和失神感。按郑国谷的话说，这一刹那，人其实是处在另一个磁场了。他相信每个人身体中都有一个能量的聚集点，据此，他将人的经络结构及其运行抽离为一套符号系统和视觉原理，并选择了一些历史上的经典个例（包括艺术家、思想家和相应概念等）逐一进行分析和图式化。当观者面对画面的时候，自然会形成一个感应的磁场，并牵动起彼此乃至整个宇宙的能量运转。

本雅明的“灵光”（aura）一度被贬为“保守”和“腐朽”，然而，透过上述这些实践可以看出，他们非但没有丧失本真性，反而衍生出一种新的“灵光”。他们不仅诉诸各自本真的一面，或明或暗还回应着这个已然丧失重心和重力的时代。借阿甘本的话说，这是一个“显灵”的空间，是一个令人难以言喻的秘境。不过，“化合物”亦提醒我们，这并非是个人神秘主义，也不是纯粹形而上学，实际上，还是多个不同物质或元素间“化学”反应的美学结果——尽管“化合物”本身在多数人眼中同样带有些许的“灵光”。但也许，这正是三个不同特质和气象的实践在此所共享的一种异曲同工的妙处和神所。

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古老的中国从煤油灯里获取墨，冲洗干净煤烟后将其混合成团并硬化为“”。这种黑很纯粹，擦不掉，而且不会褪色，于是深受中国人喜爱。通过调整墨的浓度以及笔画的密度，绘画者得以创造出多重阴影，从最深的蓝黑到最浅的鸽灰。黑色一直以来代表着神秘、黑夜、虚无。艺术家对黑色的墨了解的越多，颜色就变得越肤浅，甚至华而不实。如同道家哲人老子所言：“五色令人目盲。”黑——极简却又无限微妙——使人得以看清真相。

中国艺术家所处的当下已不再是简单、自然、有序的世界。他们获取黑的方式多种多样：砚台，打印机墨盒， X线胶片，报纸、聚酯纤维、计算机字节以及钢。他们使用黑色来传递古典大师们做梦都没想过的现实：石油泄漏、空气污染、特大城市、大量生产以及政治阴谋。参加本次展览的艺术家们并没有回避光亮或颜色，而是遵循老子的建议去使用它们：“知其白，守其黑”。黑色无所不包，也无所不可隐藏。它比我们所见的更重要。

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2017年上海当代艺术馆迈进第十二年，在辞旧迎新之际，上海当代艺术馆确立了新的愿景：探索及发展属于上海当代艺术馆独特定位与个性的艺术馆运营与发展模式——“跨界+”。我们将持续致力于推动属于中国以及全球范围的优秀“跨界+”Cross and Plus的创新理念。今年第一个展览“聚场”——转媒体艺术展是实现我们新愿景的重要起点，也将标志着上海当代艺术馆未来在艺术展览上朝新方向转型的开始。

上海当代艺术馆馆长龚明光表示非常荣幸邀请“转媒体”理论与实践的创导者、上海戏剧学院创意学院杨青青教授为我们2017年首展策展人，结合国内外知名当代艺术家把“转媒体艺术”Transmedia ART 这个概念融入在上海当代艺术馆新展中，龚明光馆长表示：“在这次展览中，以“聚场”之名，我们上海当代艺术馆将尝试拓宽人们一向以来对美术馆、艺术馆功能界限的既定想法，我们试图打开“白盒子”的概念，将剧场的形式和功能引进在艺术馆的场域里。本次展览突出的“转媒体”是一个对人类思维创造维度的研究，也是对艺术广度的实践性探索。这种探索激活我们的冲动与思索,打破固有传统艺术与当代艺术之间那种泾渭分明，其中，“德彪西遇上杜丽娘”是本次展览中引进的第一部“跨界+”的剧场、影像、音乐全新的融合之作，随着展览的进行，我们将会有一波接一波的“跨界+”的项目陆续推出，从而全方面打开艺术馆的大门，将不同种类的文化艺术引进上海当代艺术馆的能量场域，让不同种类的艺术文化形式相聚、汇萃在一起。。

策展人杨青青说：“ “转媒体”是跨越几个数量级的升级版“纠缠”。“转”，是艺术灵思的对撞，是创新能量的叠加，是人类通感的增强物化。于是，在视觉与听觉、触觉与嗅觉、实体觉与虚拟觉等等混沌纠缠，产生了空前的转媒体艺术形态——转叙述、转实物、转雕塑、转定点、转行为、转偶发、转语言……”

“转媒体”是概念，是方法论，更是“觉的自由转换”。约瑟夫·波依斯(Joseph Beuys)说：自由解放人类是艺术的目标，对我而言，艺术是关于自由的科学。

这次展览，若套用黑格尔的美学定义表述，即是：将转媒体崭新理念，用各类让人惊愕、讶异还带点神秘的感性显现，集合成一个大聚场。

展览名称“中国夏天”象征了中国的国力与艺术在过去二十年间的飞速增长。近年来，中国作为世界最重要的工业和经济力量之一，文化和艺术发展势不可挡，文化艺术生产也从本土转移到了更大的国际舞台。

20世纪80年代，中国的新一代艺术家艺术创作爆发，并开始受到公众关注，这引发了持续到现今的艺术革命。这些第一代的艺术家在高度传统的构想和欣赏艺术方式背景下，放弃了正统的方法，采纳许多西方先锋派的激进审美和概念范式。当时遍布全国的艺术家们自发地聚集在一起创作，他们土生土长，但他们的先进活动并非是当时制度体系的产物，而是其自愿与西方文化对话的结果。

这些新生代的中国艺术家，突显了其打破国际当代艺术新领域的巨大创造力。他们的创作往往不是建立在材料和形式技术基础上，而是坚持以思想和概念为中心的后观念艺术的传统。他们的作品涵盖了装置、录像、雕塑、照片、绘画和电脑绘图等。

观众可以在各种各样的作品中，看到艺术家讲述关于权力、政治、身份、历史、记忆和乡愁等的故事。还有其他作品则采取了时间、不可预知性、偶然性和错觉等抽象的概念。艺术家就像他们所在的社会一样，敏锐地意识到自己在历史上的地位，将快乐且纯粹的渴望和严肃的社会政治问题深刻地混杂在了一起。

这些来自不同世代的中国当代艺术家们都以某种方式，介入了传统与现代、全球公民与空前活跃的亚洲居民之间的生产创作中。他们的创作反映出中国的社会空间基础建设，同时作为全球公民，我们也可以在他们的作品中看到许多外国经典形象的引用。这些野心勃勃的作品叙述了一种跨文化假象，充满了原始、诗意和戏剧性，甚至可以说是惊世骇俗的。

香格纳画廊将于12月20日与上海复星艺术中心共同推出特别群展《20》。届时将在由创意顾问托马斯•赫斯维克设计的地标式建筑——复星艺术中心中推出来自20位艺术家的20件作品。展览将持续至2017年2月20日。

本次展览选自画廊成立初期至现阶段不同时期探索下的艺术作品。20件作品逐一展现每位艺术家个人观念的重要代表之作并结合复星艺术中心全新的三层多功能的艺术空间，实现作品与空间的巧妙关联与呼应。张鼎的大型不锈钢立方体和人造水晶装置在一楼开阔的展厅中形成与环境的互动与衬托；二楼展厅以近600平方米的空间呈现包括声名远播的艺术家如曾梵志，丁乙，余友涵，周铁海等的早期经典代表作品以及徐震，朱加以及胡介鸣等艺术家的多媒介实验性创作；三楼杨福东的八屏影像装置作品则将引领观者静心驻足。

“20”既以香格纳的发展轨迹为缩影回顾中国当代艺术史的发展进程，同时作为复星艺术中心首个面向公众的特别群展，该展览亦响应其致力于成为融合传统与现代的多样化的国际文化中心这一愿景。香格纳与复星艺术中心作为共同从上海创立、扎根并蓬勃发展于黄浦江畔的重要的时代见证者与推动者，旨在将当代艺术从画廊传播至更广阔的公众生活之中，在崭新的艺术中心携手共建公共文化艺术。

作为人的感知界面，皮肤在今天是如何获得解放，进而最大限度地释放出一种文化和政治能量，构成了此次展览的起点。

“解放”原本是一个中性概念，但若放在中国特殊的历史和现实语境，它被赋予了丰富的内涵和所指，由此我们可以联想到贯穿20世纪中国史的人的解放、人性的解放、思想的解放，等等。那么，全球化、互联网时代我们又面临着哪些新的约束、困境，以及解放的可能？

此次展览是关于“Drawing”的一个研究计划。选择从“Drawing”这个基本的艺术视角出发，意在重新探视艺术家是如何通过自己的语言方式建立和个体、世界的感知联系。因此，展览无意提供任何理论思考，只是想呈现一种感知的状态，甚或是一种解放的表皮。尽管参展的每个艺术家都有自己的问题意识和感知逻辑（它可能关乎，也可能涉及文化／政治，包括艺术系统本身），然而在某种意义上，他们却又共享了某种“极端”的、甚至有些“嚣张”的状态。在我看来，这种状态既是一种生存和意志的表象，也是一个文化／政治事实。反之，这也构成了我们对于“Drawing”——作为艺术家的基本工作——的一次重新认识和阐释。

——鲁明军

“林乃树林的古名。林中有路。这些路多半突然断绝在杳无人迹处。这些路叫做林中路。每条路各自延展，但却在同一林中。常常看来仿佛彼此相类。然而只是看来仿佛如此而已。林业工和护林人识得这些路。他们懂得什么叫做在林中路上。” —— 马丁·海德格尔

2016年11月9日香格纳画廊在西岸新空间的两层展厅中推出开幕展《Holzwege》。该展览以德国哲学家海德格尔的著作《林中路》为出发点，呈现三十名国内外艺术家在不同时期探索下的代表性作品。展出形式丰富多样，包括大型雕塑、装置，现场影像以及现场行为艺术表演等。展览持续至2017年2月15日。

在此次展览中，香格纳画廊不仅展出声名远播的中国艺术家，如曾梵志，丁乙，张恩利，杨福东和徐震的作品，以及青年艺术家如孙逊，赵洋和欧阳春，同时还有海外艺术家，如约尔格·伊门多夫和阿彼察邦·韦拉斯哈古等，作品与作品之间形成了丰富且多元的对话语境。每位艺术家以其作品表达个人途中探究的境遇，而每件作品之间看似独立却又遥相呼应。

香格纳画廊二十年来不断推陈出新，以其持续的生长性与包容性在中国当代艺术史中独辟蹊径，作为最直接的参与者与见证者，此次展览既是香格纳对过去二十年“探路”的总结，也昭示着“在途”过程中新的起始。

“工作室”展览邀请到丁乙、贾蔼力、刘建华、刘韡、刘小东、毛焰、徐震、杨福东、严培明、曾梵志、张恩利、张晓刚，十二位中国重要当代艺术家。通过艺术家自己的视角和镜头，呈现各自的工作室以及工作状态，展示艺术家的思想来源，使得艺术家及其作品独有的个性，变得可感可触。此展由瑞银集团，富艺斯以及西岸集团赞助支持。

“每年，我会用很多时间去艺术家的工作室。工作室也是我非常愿意去的地方，在那里可以看到艺术家的工作方法、工作状态，还有最新的作品是一个可以全面了解艺术家的地方。艺术家是有智慧和有意思的一群人，通过工作室就可以看到，都很有自己的特点，有的凌乱而舒适，有的干净整洁，有的放着书，有的放着酒，有的放着音乐...艺术不应该只是对图像或物质的审美。通过工作室可以看出艺术家的追求和创造力，能打开我们的认知和对世界的了解。我们相信这是一次非同寻常的展览，是一次写入艺术史的展览。——乔志兵 （藏家、本次展览组织者）

第一届道滘新艺术节

Overall 总览

道滘（dào jiào）是一个水系发达，湿地丰富的富饶之所，地处广州与香港、澳门构成珠三角内，近南海。正在转型成为宜居城市的道滘，发展自然环境，保护生态，而道滘新艺术节借助当地自然景观、历史建筑、科技园区的地理文化，通过三“新”–新科技、新媒体和新艺术，引导地区变革，重构另一个国际新浪潮，同时也是道滘“新”艺术节的立意。

第一届道滘新艺术节，发起人范明正、项目总监李战豪与艺术总监李振华，邀请海内外知名艺术机构动量（MOMENTUM）创始总监、魏玛包豪斯大学 客座教授瑞秋•芮斯•沃洛荷博士与当代艺术调查局（ABI ）一同策划“绘画与图像”、“装置与委托创作”、“新媒体建筑投影”与“放电影”4个单元，汇集来自17个国家，79位艺术家的作品，散布于道滘镇的艺文街区中。

有别于其他艺术节的形式与规模，道滘新艺术节，以建筑立面投影作为展览亮点，在9月28日开幕当天集中呈现26位艺术家的影像作品，试图以此赋予建筑物“活力”与“新意”。

Exhibition Core Spirit 展览主题

“Another Wave”可被译为“又一浪”或“新浪潮”，形容世间变化，万象更新。“浪流浪奔”《上海滩》（1980版）中爱情故事、大都市与冒险家，如今日中国艺术家和城市的关系。

第一届道滘新艺术节，在构成浪潮之余，取“光年”之意，一方面“光年”如“广东快车”，瞬息万变，极速向前，如同今日中国艺术现状，从内容创造到创造历史，只用了短短四十年。

另一方面，“光年”用来计算地球和宇宙星系之距离，为距离加入了时间，如逆向思考时间和人生旅程，“光年”可被解释为最好的时刻，相较于日常生活，也是最漫长的距离，仰望星空令人遐想――超越的人类勇气和想象力。

亚洲艺术中心 (ACC) 于2015年11月15日在韩国光州开展筹备已久的文化项目。作为初始的项目之一，ACC 通过展览 Plastic Myths 于中心的第二空间内试图探讨亚洲的文华来源以及未来的身份发展。

澳大利亚国家美术馆（NGA）是澳大利亚最大的美术馆之一，拥有超过166,000件艺术作品。1967年作为国家公立美术馆的项目由澳大利亚政府组建。

《玩 201301》曾于瑞士的巴塞尔艺博会以及悉尼的白兔美术馆展出过，现被后者永久收藏。此作品以不锈钢结构为主体，用黑色的 S&M 道具将外部包裹成一座座教堂的形状，而这似乎已经阐述了艺术家的创作意图。澳大利亚国家美术馆亚洲艺术部的策展人Lucie Folan认为这件作品除了其本身所包含的多重深刻含义外，整件作品的创作过程也相当有趣。

香格纳画廊于2016年7月16日在主空间与H空间推出群展“不确定的，或者被搁置的……”。继拜访数十位艺术家工作室最终形成此次群展丰富多样的视角。该展览从绘画，装置，雕塑，手稿，多媒体等多种媒介的方式展出。展览持续至8月31日。

“不确定的，或者被搁置的……”不确定的是概念，思路，创意等思想方面的踟蹰，探索以及实验；被搁置的是暂停，储存，徘徊等行为的状态；二者彼此关联又相互影响。在艺术家的创作过程中，那些曾经因灵感突至而开始，又因为线索，方向，自我迟疑种种挣扎而暂时搁置的作品或思路是这次展览的主旨所在。此次展出的作品在何种情境下萌发，又因何种瓶颈而暂停成为艺术家与每一位观者的一场互动的谜题。该展览不仅挑战性地展现艺术家看似大相径庭的创作线索，丰富艺术家创作脉络的多种可能性，更在趣味之余反思差异性创作下隐藏的引申关联。

“还没完成是一个有意思的开始或者记录下来又遗忘后的再一次显现”

“一直喜欢木雕，但一直也没有实施…大型出来后，往细部走的时候，还弄不了，后来也就放那了…后来12年左右，没事也会拿锉锉几下，然后也是很崩溃…现在，再回头看去，随着时间的推移，它也越加完美了，俨然它已成了我的爱物。”

“就像教堂寺庙里无数传统的手工艺工匠面临的问题，怎样利用有形的物质创造无形的精神。当时也想做些有触感绘画，我一直对绘画的表面质感敏感。所以就买了最简单的材料来进行粗暴试验。”

以上摘自艺术家口述备忘录

对不起，此内容只适用于美式英文。

上海民生现代美术馆荣幸带来中国当代艺术群展“转向：2000后中国当代艺术趋势”，并邀请知名美术史家易英先生担任学术主持。展览将贯穿美术馆的一楼展厅，展出52位/组艺术家的绘画、雕塑、装置、录像、动画等多种媒介形式的作品。展览将于2016年7月23日开幕，持续至2016年9月4日。

本次展览的主题将围绕着2000年以来这个时间节点开始进行构思。中国社会发生的诸多变化，出现了各种思潮以及伴随着中国的各种社会性问题，当代艺术对此做出了何种反应，是我们关注的重点。展览基于两种“转向”（架上—观念、形式—社会性）概念。一是形态上的转向：随着当代艺术完成了语言学的转向，80年代中期以来的线性发展的历史已经趋于终结，90年代以架上绘画为主的艺术形态逐渐向多元化、观念化转变；二是形式向社会性转向：新时期当代艺术的书写也发生了诸多变化，不再着重于形式主义的逻辑，而是着重于社会运动、社会性，强调社会问题，比如关注城市，土地，族群等，主要在于体现不同的经验。同时随着互联网、影视、高科技、新媒体的不断介入，艺术形态方面也在不断推进，不再依赖于艺术自身的创造，而是伴随社会发展提供的新的视觉表达方式。

基于对中国当代艺术的关注与创作的现状，上海民生现代美术馆选取了从2000年以来富有代表性的艺术作品。这些作品试图去阐释发生在中国当代艺术中的转向问题，它们以不同的方式表达了艺术家对艺术的思考、艺术家与社会观念的变迁、以及中国当代社会中的进程和命运。

此外，展览期间还将举办以“转向”为主题的学术研讨会，邀请国内相关知名学者就艺术、哲学、社会问题等展开讨论。同期还会举办多场相关讲座及工作坊。

作为英国雕塑基金会引领者，卡斯雕塑基金会即将在英国呈现首个由中国艺术家创作的户外雕塑展览。

卡斯雕塑基金会非常荣幸地呈现展览《无序之美》，这是首个将在英国展出的向中国当代艺术家委托创作的户外雕塑展览。从2016年5月起，15件大型户外作品将在卡斯雕塑基金会的土地上呈现。本次展览的艺术家在青铜、石头、钢铁、木头等一系列的材料中展现了雄心勃勃的雕塑技艺.

中国与英国的园林美学在历史上的联系是这些杰出当代中国艺术家创作的开端和灵感。展览名称《无序之美》引用自耶稣会传教士，清朝宫廷画家王致诚(Jean-Denis Attiret)1743年的一封信件，而这封信对英国园林文化产生了巨大的影响。王致诚用“无序之美”来描述中国园林的独特魅力——通过一系列戏剧性的借景策略带给观众激烈的，颠覆感知的体验。此次展览邀请观众一道发掘中国在过去、现在以及未来与世界的重大联系，同时提供了宝贵的契机从中国最活跃的杰出艺术家的视角洞悉当下中国的文化、政治、社会状况。

卡斯雕塑基金会的执行总监克莱尔·欣德尔（Clare Hindle）表示：“卡斯雕塑基金会至今已经委托创作了超过400件作品——《无序之美》对基金会来说是一个标志性的时刻，这是我们第一次委托国际艺术家创作作品，举办的大型展览，这次展览将展出中国重要艺术家创作的当代中国雕塑。”

《无序之美》参展艺术家包括：毕蓉蓉、曹斐、程然、崔洁、马文、李景湖、陆平原、徐震（没顶公司出品）、何颖宜、宋拓、涂维政、王思顺、王卫、王郁洋、张如怡、郑波、赵要。

这个展览聚焦于中国当代艺术中的“展览问题”，包括当代艺术展的目的、组织、条件和面对的挑战。这些问题在上世纪90年代吸引了许多实验艺术家、艺术批评家和独立策展人的注意，促使他们投入到互相关联的活动和讨论中去。许多具有鲜明原创性的展览被构想和组织，许多产生了重大影响的作品也是为了特定的展览创意和制作的。在所有这些方面，关于展览的问题不只关系到展览本身，而是与当代艺术在中国的功能、意义以及与社会的关系等基本问题密切相关。在当代艺术于21世纪初获得“正常化”以前，这些活动在90年代下半叶构成了一个“展览的瞬间”，其强度和凝聚力在世界艺术史中也不多见。

将近20年之后的今天，当代艺术的展示已经成为中国美术中毋庸置疑的一个重要部分，数以千计的当代美术馆、画廊和其它展示场所日新月异地向国内外观众推出新的展览。但是实验性与公共性之间的磋商仍然决定着当代艺术的身份和社会意义。90年代的历史经验对于思考这些问题仍具有实际意义，这些经验也是在研究中国当代艺术中需要被重视的一个方面。

本展览包括两个部分，第一部分是一个文献展，内容包括有关90年代中国当代艺术展览的材料。核心是1997年到2000初之间组织的12个当代艺术展览（其中一些被叫停或取消），其场地包括大型公共美术馆、私人美术馆、商厦、酒吧、城乡交界处空间、都市建筑地下室、古建、会展中心以及不同类型的非展示空间。名为“取缔：关于展览的展览”的第二部分是一个展览中的展览。通过“再展示”12个历史展览之一的空间和内容，反思90年代实验性展览的组织者、艺术家和观众的互动。

取缔：关于展览的展览

这个“展览中的展览”又是一个“关于展览的展览”。它的目的是通过再现《是我！ 》（北京太庙大殿，原定展期1999年11月21日至24日，冷林策划），反思90年代当代艺术展览的组织者、艺术家和观众的互动。

当出席《是我！》开幕式的观众之一，纪录片导演吴文光到达展场的时候，他手中的摄像机在第一时间记录下了现场的景观。影片的一句旁白—“作品都在里面，人都在外边”—成为策展当前这个展览的基本概念。

这个“极简”展览包括两个空间和两个作品。外空间对应着《是我！》展厅前面的庭院，由吴文光的纪录片《日记：1998年11月21日。雪》转化成了一个公共表达的场地。内空间对应着《是我！》展厅的内部，其中宋冬的特定场地录像装置《父子·太庙》代表了当天在场但是看不见的作品。

此展览曾于2000年在芝加哥大学斯玛特美术馆（Smart Museum of Art, the University of Chicago)展出过。本次展示具有不同的时、空上下文以及特定的目的和意义。

巫鸿

1981年出生于四川的黄予是中国近年涌现出的最具实力和专业度的新一代藏家之一，他的艺术品收藏从古代佛造像、瓷器等开始，逐渐转向了当代绘画、雕塑、装置与影像，在民生现代美术馆的工作经历深化了他对于中国当代艺术系统与价值的认知。作为佛教信仰者，同时作为艺术收藏的收益者，黄予为家乡自贡的寺庙捐赠佛像，并且为当年的母校创建“助学基金”，他的另一个梦想是在成都创立美术馆和艺术博览会，持续推动当代艺术在西南地区的生态建构。

本次展览将汇集六十六位重要艺术家的百余件作品，作品涵盖多重媒介和形态，可以视为正在进行中的中国当代艺术的缩影与指南，尤其在观念绘画方面体现出出色的体系性，艺术家的名单包括了从余友涵、李山到谢南星、段建宇及更年轻的探索者们。展览邀请本土最重要的策展人之一、2011年中国当代艺术奖评论奖得主朱朱担任策展，以“新资本论”为题讨论消费主义语境中的当代艺术创作走向及艺术资本的能动性，并将在展览期间举办中国年轻收藏家巅峰论坛，届时将邀请数百位国内外重要美术馆、画廊的负责人，收藏家，商界人士和参展艺术家们等出席。

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Pino Pascali 基金会是意大利阿普利亚唯一的一家当代美术馆，除了馆藏外，美术馆会时常举办展览，以及组织每年的Pino Pascali 奖项。美术馆的创立可以追溯到1998年举办的Pino Pascali 回顾展，为纪念艺术家逝世30年，展览由策展人Achille Bonito Oliva 和Pietro Marino策划。

Tutorial：Moving Image and A User’s Guide 是关于中国录像艺术的跨文化展览，由独立评论家、策展人Mariagrazia Costantino策划

所谓“教程”(Tutorial)，技术上是指那些使用某种策略和约定俗成来阐释特定内容的在线课程。其中最常见的一种制作教程的方式，就是拍摄自己所做的最擅长的事，并把录像上传到YouTube上，与来自社交网络平台的粉丝进行分享。

参与此次展览的艺术家们应用了相同的原理和技术，但对“教程”的概念进行了搞怪，并以此得出各种不同的带有批判性的结论。

2016年第二十届悉尼双年展即将在3月18号到6月5日举行，而此次展出的主题则是援引了科幻小说作家威廉·吉布森的名言“未来已经到来——只是分布不均”。
据悉，本次悉尼双年展此前已经宣布有来自35个国家的96位艺术家参展，其中来自中国大陆的艺术家只有徐震一人，另外还有来自台湾地区的艺术家陈界仁、李明维、蔡佳葳、姚瑞中，新加坡艺术家黄汉明（Ming Wong）等华语地区艺术家也名列其中。
此次双年展共设了包括新南威尔士美术馆（Art Gallery NSW）、悉尼当代艺术博物馆（Museum of Contemporary Art）、车厂当代艺术中心（Carriageworks）、白鹦鹉岛（Cockatoo Island ）等七个展区以及一系列“过渡空间”来阐释展会主题。
2016年悉尼双年展的核心议题是“如果每一个时代都设定了它自己的现实观，那么我们的这个时代呢?”双年展艺术总监Rosenthal补充道：“双年展试图探索的一个关键性理念是想要看看在虚拟与实体间的共通差别是如何变得越来越模糊。‘过渡空间’便是一个焦点：例如数字世界的交往、空间与陆地的移位与占位，以及政治与财力结构的互连与重叠。”

卡塔尔博物馆管理局委托当代艺术家蔡国强作为策展人，历时三年构思、策划大型群展《艺术怎么样？来自中国的当代艺术》，将于2016年3月14日在卡塔尔多哈约3500平米的阿尔里瓦克（Al Riwaq）展览馆开幕。通过展示15位/组中国大陆出生的在世艺术家作品——陈星汉、胡向前、胡志军、 黄永砯、李燎、梁绍基、刘韡、刘小东、马文、孙原&彭禹、汪建伟、徐冰、徐震、杨福东、周春芽（按姓氏首字母拼音排序），直面艺术家自己对其“艺术表现方法、方法论，艺术态度及其观念的创造力”的追求。

长期以来，国内外对中国当代艺术的关注，更多是在当代中国社会的政治议题、国家历史和大文化叙述，以及在艺术市场上的天价新闻。展览《艺术怎么样？》的问题，是关于中国当代艺术在所谓受欢迎、市场火爆的表象下，创造力怎么样，尤其是艺术家的‘活’怎么样的讨论。

三年来，策展人蔡国强带领其工作室整理国内外逾250个中国主题相关展览，着重研究其中30个；关注约200位大陆出生在世中国当代艺术家；与20余位来自世界的文化、艺术、思想界专家学者和策展人展开讨论。旨在打造一个学术性展览，强调 “创造力”这千百年来艺术家孜孜以求、而在今天纷繁艺术展览中鲜被触及的根本议题。在回应国际学术界对中国当代艺术家创造力状态的怀疑的同时，展示中国当代艺术家试图面对或超越中国传统美学和西方艺术史纵横纬度的一系列艺术实践。目前世界当代艺术界也普遍着迷华丽热词和对艺术家及作品背景的文本分析，缺乏对艺术本身更直接的检视。因此，《艺术怎么样？》的问题，在世界当代艺术的今天也有特别意义。

每位参展艺术家将围绕展览议题，在各自独立空间内展示自己对创造力的求索；作品横跨绘画、雕塑、装置、影像、表演、视频游戏等媒材。策展人亦邀请学者王明贤策划“中国当代艺术大事记”展厅：通过文献、图片、数据，为来自世界的观众提供中国艺术文化历史发展的大背景，展示中国社会制度的主流文化和非官方当代艺术间的并行、对比。

展览将出版中、英、阿拉伯语画册，由蔡国强主编，以其创意自成作品。中文画册约30万字，收入三位世界著名学者不同角度深度撰⽂，15篇分析参展艺术家独特语言的精炼短文（学者撰写或艺术家自述）；亦囊括策展⼈与20余位国内外艺术专家学者、15位参展艺术家的对谈精选，和“中国当代艺术大事记”等。

展览还将发行60分钟的同名纪录片（33 Studio制作， 夏姗姗导演）。影片正视当代世界和中国创造力的缺失与艺术家的困境。试图通过策展人与艺术家和专家学者的坦诚讨论，展示策展目的和理念，也记录作品和展览的诞生过程 。通过艺术家工作室及其所在城市的文化风貌，给观众提供一个了解中国文化和社会的窗口。

作为2016中卡文化年项目之一，展览已得到中国国家艺术基金、北京市文化局、上海市对外文化交流协会等大力支持。

2016年3月9日，位于澳大利亚悉尼的白兔美术馆将举办一场中国当代艺术家群展，名为“重型炮兵”(Heavy Artillery)，由大卫·威廉姆斯(David Williams)策展，参展的艺术家包括徐震、蒋志、刘成瑞、徐永旭、Shinji Ohmaki、宋红权、陈景亮、Aaajiao(徐文恺)、王雷、周珠旺、PSFO、林彦玮、耿雪、刘玮、杨黎明、郭建、刘建华、刘窗、何翔宇。

白兔美术馆由澳大利亚收藏家朱迪·尼尔森(Judith Neilson)一手打造，是一间专门展示和推广中国当代艺术的非营利性空间。朱迪·尼尔森每年都到中国来，亲手挑选自己的藏品，但从不参与拍卖，如今，她的白兔画廊中已经收纳了超过1000件中国当代艺术品。

十年前，瑞士伯尔尼美术馆（Kunstmuseum Bern）展出的乌利·希克（Uli Sigg）收藏展——“麻将”（Mahjong）引起了前所未有的轰动，欧洲艺术界当时将此展视为西方认识中国当代艺术的“圣经”。十年后的2016年2月，迄今为止最大规模的希克收藏展“中国私语”（Chinese Whispers）将在同一展馆续写传奇。

这是继2006年“麻将”展览后，通过希克先生的收藏视角，又一次将中国当代艺术在欧洲的集中展示。“中国私语”由策展人凯萨琳·布勒（Kathleen Bühler）独立策展，将从不同的角度对全球艺术与意识形态倾向这一领域的紧张关系进行探讨。策展人凯萨琳从希克先生所收藏的约350位中国当代艺术家的2200件作品中，按照历史、政治和新世纪以来的中国社会形态等不同维度挑选出71位艺术家约150件作品，届时将在伯尔尼美术馆和保罗·克利艺术中心（Zentrum Paul Klee）共3500平米的展出面积中聚焦呈现。在约150件展出作品中，40%展出作品来自希克个人收藏，60%来自希克此前捐赠给香港M+博物馆的收藏。

展览主题“中国私语”的灵感来自于一个普遍的传话游戏。人们排成一行或围成一圈，第一个人将获取到的原始信息传递给下一位，以此类推传递到最末，直至最后一位说出他所获取到的信息。而在这个游戏中，往往消息从一个人向另一个人传播时每次都发生一些变化，增加对原始信息的讹误。策展人凯萨琳认为，这个游戏恰如其分的演示了普遍口头传播上有趣的地方，就如同中西方的文化交流一样。也正因为信息在传播过程中的不断变化，使得原始信息和讹误信息交织、叠加、碰撞，产生新的话题、思考和可能性。

在策展人凯萨琳看来，中国当代艺术进入西方的轨迹恰如这个传话游戏。如何充分应对和理解中国当代艺术以及它的发展？希克先生作为这其中的探险家，从上世纪70年代首次访问中国以来，就以中国当代艺术作为了解中国社会发展的切入口之一持续关注了40年。而2006年至2016年十年期间，希克先生建立了他更加庞大和丰富的收藏体系，伯尔尼美术馆希望通过展示希克收藏这十年的变化引发观者对当下全球性艺术文化的思考。本次展览分为四大主题，分别是：一“来自中国的全球艺术”（Global Art from China）、二“论传统”（On Dealing with Tradition）、三“变化的痕迹”（Traces of Change）、四“消费狂热和精神追求之间”（Between Consumer mania and Spirituality）。

从2006年的“麻将”到2016年的“中国私语”，希克先生的中国当代艺术收藏体量不断扩大同时，伯尔尼美术馆也在这十年间不断发展和壮大，其与保罗克利艺术中心合并，展出空间的扩大使得展览具备更多可能性。“麻将”展的成功使得观者期待十年后的“中国私语” 希克先生的藏品发生了何种变化？中国当代艺术发生了何种变化？虽然十年期间希克先生的藏品在世界各地举办过像“神秘字符”（Secret Signs）、“山水”（Shanshui）、“像想 ！”（Go Figure）等不同类型的专题性展览， 但概览型的中国当代艺术收藏展是继“麻将”后的第一次。

自2016年1月27至2016年5月2日，路易威登基金会于法国巴黎举办展览“本土：变革中的中国艺术家”，在展厅1号、2号、3号呈现12位来自中国大陆的、不同代际的艺术家作品。本次展览的核心概念为“本土”——就中国当代艺术而言，该术语并不指向“民族性”，而意指对话的概念，试图就身份认同的普遍性、争议性话题反思所谓的“地域性”与“全球性”。这一概念对于理解中国当今的艺术家、策展与学术至关重要。

参展艺术家运用包括高科技手段在内的不同技术与媒材，着眼于本土的传统与文化，使传统与现代发生融合与碰撞，展现了处于持续变动中的复杂社会图景。他们的作品反映了中国当下的经济、生态、身份认同的现状，特别体现了城乡关系的转型状况。

本次展览的目的并不在于勾勒出中国艺术界的全景，而在于凸显日新月异的艺术生产的多重形态特征；这种多样化更多地彰显在艺术家的个人创作中，而非特定的艺术潮流下。

本次展览由路易威登基金会主办，UCCA当代艺术中心联合呈现，是近10年以来在法国举办的首次大型中国当代艺术展览。本次展览由UCCA馆长田霏宇与路易威登基金会的策展人劳伦斯·博塞（Laurence Bossé）联合策划。

“发明仪式”是为当代艺术展示所开创的一种新的现场艺术方式。作为仪式，它不仅象征着一种秩序，一种美学和政治标准，更重要的在于它是对所有创造力、想象力及其革命性，乃至当代艺术本身的一种高度肯定。因此，从艺术家的实践，到仪式的结构，以及这样一种特别的展示媒介本身，意在开启一种朝向未来的思维和意志。

整个“发明仪式” 由没顶公司联合艺术家陆平原和赵要共同策划和设计，长达40分钟左右，包含了20多位艺术家不同形式的作品，涉及录像、行为、文本、绘画、装置、雕塑以及图片等。

发明仪式凸显了作品的存在方式，改变了艺术与观众的关系，创造出一种完全不同的时间和空间的精神体验。从而提供了一种奇异的美学体验。

本次”发明仪式”参与艺术家名单：陈晓云、储云、丁力、何岸、胡向前、阚萱、林科、李燎、李钢、刘韡、陆平原、刘成瑞、苗颖、施勇、汪建伟、王思顺、吴山专&英格、徐震（没顶公司出品）、杨振中、余极、原弓、张鼎、张慧、赵要、庄辉、郑国谷、周啸虎、朱昱

《15个房间》是一个重要的现场艺术展，由MoMa PS1馆长兼首席策展人克劳斯•比森巴赫，和蛇形画廊联合总监汉斯•乌尔里希•奥布里斯特共同策展。这个展览由横跨不同时代和大陆的艺术家共同实现。在2015年的版本中，将比上一个在巴塞尔艺术博览会中展现的版本新增加一件作品，并将被呈现于由著名的“赫尔佐格和德梅隆建筑事务所”设计的建筑空间中。

2015年的版本中，策展人将会邀请15个国际及中国艺术家来让每一个房间充满活力，同时探索一种把人作为“材料”的艺术作品与空间、时间和物质之间的关系。这会为观众带来一种更加有表演和互动体验的洞察力，观众每进入一个的房间都会遭遇一个新的处境，并置身于一系列不同的沉浸式的和亲密的体验之中。

龙美术馆通过将这个特别的项目带到上海，不仅映像出观众和作品之间的融合，同时表达了这样一个信念：视觉艺术家能够像运用青铜、画布、喷墨、油画颜料、影像或其他形式的物理材料那样来运用“人体”创造他们的艺术作品。

正如策展人声称的，这个展览的概念来自于现场艺术既可以是雕塑又可以和物理对象一样被持续展示。也就是说，现场艺术的展示将会从早晨持续到晚上，并贯穿整个美术馆的开放时间。但是当观众离开，美术馆晚上关门之后，这些“雕塑”也会走出美术馆。《15个房间》也反映了行为艺术如何可以创造一个展览重新上演，或者是事物不断被再生产的可能性。艺术不仅仅是通过实物和文献来传递，也可以在时间里游历。绘画一直是一个持久的有价值的艺术形式。教学艺术创造了一种有效的可能性让艺术游历和持续。《15个房间》就像是这样：好比是基本文本，它可以在全世界不同地方被重新展示，也可以在50年或者当我们都去世的100年后被重新展出。缓慢不仅对策展的过程来说很重要，在《15个房间》的展览体验中也同样重要。《15个房间》的展览体验为参观者的观展方式创造了与加速相反的感觉，即变成了一个减速。事实上，当你必须打开一扇门的时候，运动将会变慢，就像进入一个人的家，是一种亲密的邂逅。

由赫尔佐格和德梅隆建筑事务所设计的展览空间对展览的塑造起到了至关重要的作用，像承担中间缓冲结构那样，将一系列美术馆空间中的亲密感受捆绑在了一起。这个理念不仅仅关注了展览的现场情况，也关注了展览周边的环境。令策展人和建筑师都感兴趣的是对外部开放的理念，创造公共空间，以及创造类似空间的可能性。本项目原由曼彻斯特国际艺术节（MIF）、鲁尔国际艺术节2012-1014（RUHRTRIENNALE）,以及曼彻斯特艺术画廊联合委任，并于2011年7月在曼彻斯特国际艺术节中首次展出《11个房间》。后来又在鲁尔国际艺术节2012-2014（RUHRTRIENNALE）展出《12个房间》，2013年4月在悉尼举行的卡尔多公共艺术项目中展出《13个房间》。2014年6月在瑞士巴塞尔艺术博览会期间亦展出《14个房间》。每次展览的艺术家名单都略有不同。

本次展览是米兰但大概艺术博物馆策展部门为EXPO 2015策划设计的第一个展览项目，并作为Città世博会活动中的一部分，是米兰市政府为EXPO制定的跨时6个月的文化活动。《精神》从一个创新的角度探索绘画艺术与其他媒介的关系，以及本次参展横跨三代的20位艺术家在传统中国艺术中展现出的主题与方法。这些艺术家的作品不仅仅是在画布和纸张上完成，同时也涉及到装置，行为，雕塑，录像和数字媒体。

从一首诗到日落 (From a Poem to the Sunset) 是德国Daimler艺术收藏中心举办的最新收藏展系列的第一部分，由Dr. Renate Wiehager 和Christian Ganzenberg策划，此展览系列展出Daimler近期收藏的中国和国际艺术品。意识形状健身操（录像，行为）和意识形状博物馆-飞天女神（装置）于柏林Daimler当代中心展出。

2013年，Daimler收藏中心在其国际收藏档案中开始增添一个重要的新面貌，囊括20多位中国艺术家的40余件艺术作品。从2015年起，这些新收藏在柏林开始面向公众的一系列公共展出。这些中国艺术家的作品与Daimler收藏的特殊兴趣意愿契合：对抽象与概念艺术的趋势关注，以及新媒体发展状况。同时，其收藏构造中形成了一种自有的新型综合特质，展现其文化与美学上的特异性。

世界的终结要比当前秩序或资本主义的终结容易想象的多。 —— 迈克尔 哈特

在具有厚重上海历史记忆的地标——外滩,联结 1925 年告竣的前上海银行工会大楼该特定场域,BANK 向您呈献 The BANK Show, Vive le Capital,以探究、歌颂与批判全球金融比比皆是的力量。昔日,政治形态和宗教信念塑造了权力的格局。但,当世界以飞驰的步履迈进 21 世纪时,人们生计利益的命脉同资本的此涨彼伏愈发交织不清,非同等闲。在过去十年间,当国家认同和领土边境愈甚模糊之时,贫富差异的鸿沟和南北半球资本分化日渐显著。这次展览,我们旨在通过展现艺术家们的视角,来探讨他们在不同国家背景下对资本主义的深挚体验:它的优势与病垢,成效和纰漏;它触手可及的现实,亦或是从马克思到皮克迪的这段天马行空的臆想旅程。

追溯至 20 世纪初,BANK 的“家”就已然落户在这世界商贸的中心。自那时起,作为亚洲重要的制造业、贸易区的枢纽,上海吸引着欧美各国地区的银行业主纷至涌来,扮演着名符其实的世界银行的角色。从本质上讲,那时的上海滩也酝酿着我们所熟识的现代市场全球化。以 BANK 非比寻常的地理位置与历史背景为出发点,The BANK Show 意在对令人瞠目的资本全球化和金融全球化的世界进行实验性还原与探索,而不仅仅是无聊乏味的政治游说,也不是道德层面上过分简化的“非白即黑”。

参展艺术家：陈天灼、双飞艺术中心、克里斯托弗 · 德尔格（瑞士）、雷纳·加纳尔（奥地利）、张奕满+余昱昀（新加坡）、皮埃尔·于热（法国）、廖国核、艾罗德·米克（荷兰） 、詹尼·莫提（意大利） 、RAQs媒体小组（印度）、海蒂·芙欧特（比利时） 、徐震-没顶公司 、王思顺

上海民生现代美术馆荣幸带来中国当代艺术群展“物体系”（The System of Objects）。展览将贯穿美术馆的一楼展厅，展出44位艺术家的绘画、雕塑、装置、录像、动画等多种媒介形式的作品。展览将于2015年3月29日开幕，持续至2015年6月28日。

晚近以来，物在文化理论和当代哲学的领域得到了越来越广泛的讨论。大体而言，对物的讨论有两种模式。一种是文化政治的模式，即认为当代社会已经进入到了一个大规模的物的累积阶段，物是消费社会最显赫的标志，一个新的拜物教正在形成，物以其强烈的自主性对人构成了重重挤压。这个讨论受马克思的商品拜物教理论的影响，从二十世纪早期的本雅明、卢卡奇到中后期的罗兰·巴特和鲍德里亚都将物作为重要的研究对象。另一种模式是哲学的模式。长期以来，哲学一直将物看作是与人相关联的领域，物总是人视野中的物，离开了人谈论物是没有意义的。这是自康德到海德格尔以来的所谓人和物之间的关联主义最简单的表述。但是，今天最激进的年轻哲学家提出了思辨实在论（Speculative Realism），即主张物有自己的独特领域，物可以从人的视野中，从与人的关系中解脱出来。物有自己的领域、命运和本体，一种以物为导向的本体论（Object-oriented Ontology）正在形成。

基于上述理论及中国当代艺术中对“物”的关注与创作的现状，上海民生现代美术馆选取了最近二十年中富有代表性的与物有关的艺术作品。这些作品构成了中国当代艺术中的“物体系”，它们以不同的方式表达了艺术家对物的思考、人们有关物的观念的变迁、物在中国当代社会中的进程和命运，以及最根本的，人是如何在和物的关联中来确定自身的形象的。

此外，展览期间将会举办以“物”为主题的系列讲座，还会召开一次名为“物的理论”的国际学术研讨会。

微妙的三角关系将作为首尔市立美术馆(SeMA)2015年的第一个展览呈现给公众。此次展览由SeMA和韩国国际交流财团共同组织，并与2014年11月在SeMA举办的亚洲研讨会：微妙的三角关系联合呈现。继东亚境内各类私人或公共美术馆的馆长、策展人以及活跃在国际艺术领域的专业人士的学术讨论后，本展览的重点聚焦在艺术家：Yangachi（韩国），徐震（中国）和小泉明朗（日本）的作品上。微妙的三角关系试图解脱对东北亚地区的西方化分析，以及地区内关于民族主义，地方主义和中央集权制度的理解，更多的关注于引领下一代思潮的艺术家的艺术世界。本次展览将进一步研究东北亚的当前状态，从而据此提出变革和发展。

Yangachi，徐震和小泉明朗都出生于上世纪70年代。他们不仅引领着亚洲艺术界，也积极参与国际展览和艺术活动。Yangachi为本次展览带来了他的新作品海盐剧院。海盐剧院是根据他对亚洲的地理特性和内在时间性的研究所进行的一项实验。 Yangachi致意并真切期待通过他的作品吸引新的观众。来自日本的小泉明朗带来的一系列作品旨在探索人类的情绪瞬间和控制力。对于此次展览-微妙的三角关系来说，他揭露了历史事实的消亡是如何被目睹和重建的，从而呈现了一个关于解构独特历史条件下的日本的重要视角。来自中国的徐震于2009年创办了没顶公司，并不断创造出对艺术限制和艺术内涵提出质疑的作品。徐震近期被邀请参与多元化的国际博物馆、迈阿密艺术巴塞尔博览会以及里昂双年展。徐震和小泉明朗均为第一次在韩国展示他们的大型作品。

微妙的三角关系还将在美术馆三楼提供一个会议室举办研究讨论组，以此呈现出自1989年伊始韩、中、日三国的文化交流历史。讨论组在延续各国艺术史的基础上，为研究三者间的敏感性和有趣的社会政治历史创造了机会。此外，一个由SeMA教育主管部门和三边合作秘书处联合举办的教育项目，将邀请来自居住在首尔的东北亚青年，在展览和历史档案的平台内讨论和交流三个国家的过去、现在和未来，并进一步对各国应采取的潜在策略分享他们的意见。取代一贯以沉思的态度来研究另一方，微妙的三角关系努力通过物化他们的主题，并积极参与彼此心理层面上的拓展，从而构建一个关于东北亚当代艺术的新话语。

徐震的“永生“系列大型装置作品入选2014年第44届巴塞尔艺博会意象无限单元（Unlimited）。

本届意象无限由美国纽约策展人Gianni Jetzer策展。意象无限单元是挑战传统艺术展会形式及规限的展览专区。展出具有时代前瞻性的作品如大规模雕塑、画作、录像放映、大型装置和现场表演等等。

Fondation Beyeler、巴塞尔艺术展及巴塞尔剧院宣布将于2014年6月14日至23日期间在巴塞尔举行名为《14房间》的大型现场艺术展览。展览请来Klaus Biesenbach及Hans Ulrich Obrist担任策展人，参与演出的艺术家包括Marina Abramovi$c、Allora and Calzadilla、Ed Atkins、Dominique Gonzalez-Foerster、Damien Hirst、Otobong Nkanga、Roman Ondák、Santiago Sierra及徐震。

《14房间》将于Messe Basel的3号展览厅举行。PS1当代艺术博物馆总监兼现代艺术博物馆总策展人Klaus Biesenbach、Serpentine Gallery 展览及节目部联合总监兼国际项目总监Hans Ulrich Obrist为这次展览策展人。这14位来自世界各地的艺术家将各自负责一间房间，以“人”为素材创作艺术，探索空间、时间与物质性之间的关系。观众每到一间房间，都会遇上截然不同的环境。透过14个风格迥异的空间，让观赏者更设身处地的体验互动表演艺术。届时将有超过70位表演者──大部份来自巴塞尔──参与展览。

在中国艺术家徐震的作品《只要一瞬间》（2005）中，观众可看见一个飘浮在半空、仿佛被冷冻了的人体，推翻了时间与万有引力的常规，促使观众对现实提出诘问，反思作品表面所呈现的不可能局面。

本项目原由曼彻斯特国际艺术节、鲁尔国际艺术节2012-2014（RUHRTRIENNALE），以及曼彻斯特艺廊携手合办，并在2011年7月曼彻斯特国际艺术节展出《11房间》，后来又在鲁尔国际艺术节2012-2014（RUHRTRIENNALE）展出《12房间》。2013年4月在悉尼Walsh Bay的2/3码头举行的Kaldor公共艺术项目亦有展出《13房间》。每次展览的艺术家名单略有不同。

2014年5月30日的上海。南京西路车水马龙，盛况空前。芮欧百货一场盛大无比的庆典正在此上演。在芮欧来到上海的这两年中，始终以其个性多样的高端精品、精致贴心的服务与梦幻多变的创意，为现代都市年轻人创造着令人惊艳向往的购物体验，它毫无疑问地成为上海乃至全国最受欢迎的奢华级摩登购物休闲地之一。

活动当日，一场名为“In and Out Réel Shanghai Art艺想天开”的现代艺术展拉开了庆典的序幕。这场与香格纳画廊携手举办的展览，汇集了国内众多艺术大师的得意之作。20多件得奖作品、甚至一些从未被展出的收藏之作布满了芮欧的各个空间，整个商场如同一件艺术品一般格外引人瞩目。这恰恰也是芮欧从设计之初便贯穿始终的氛围——高雅时尚的都会风格，加之每个楼层都有专属的氛围与特色，令处处都充满精彩变化；在这个时尚且具有人文气息的空间里，处处充满美丽的旋律，联想和记忆。

跟随明星、名流以及时尚达人们的红毯舞步，庆典正式开始。明星名人的风姿绰约或许已不足以令你称奇，但一些素未听闻的“草根”们却能在红毯上将“时髦”玩转自如，这着实让人惊艳不已。他们便是芮欧席卷全城的“红毯召集令”所评选出来的“时尚潮人”们。每个人都是主角，打造专属于自己的个性化时尚和悠享高端品位的生活方式是芮欧所传递的理念。芮欧帮助你成为万众瞩目的时尚Icon。

“Réel fun shopping”与各种互动游戏将庆典引入高潮。部分大牌为芮欧奉上“庆典厚礼”，史无前例地为粉丝们送福利。在血拼之余，你也可以参与到每一层不同主题的互动活动中，各式各样的新颖游戏引人入胜。

这一夜的芮欧注定让人流连忘返；这一夜的南京西路，因为芮欧而不眠。

CCAA中国当代艺术奖将于2014年4月26日在上海当代艺术博物馆（PSOA）举办“CCAA十五年”大展，展览将成为CCAA从1998年成立以来规模最大的一次展览。首站上海从4月展至7月，并拟在未来几年巡展至中国其他地区。本次展览将展出CCAA15年中由国际国内评委共同评选的结果，以时间和人物为线索，以评选文献为展出内容的基础，梳理和全面呈现CCAA15年之于中国当代艺术在中国和国际共同视角下的历史。

本次展览的策展小组由4人组成：栗宪庭，刘栗溧, 李振华, 李立伟（Lars Nittve），其中李立伟担任国际策展顾问。CCAA15年以来共产生了24位获奖艺术家和批评家，此次展览将呈现19位获奖艺术家的50余件作品，探讨艺术家个体从时间，题材，内容的转变发展到作品展现方式等诸多元素，区别于通常的群展。展览以点带面的文献梳理方式将阐释这个作为中国当代艺术界重要的国际学术奖项，如何在15年间为中国当代艺术与国际的交流架构桥梁；CCAA如何以公正, 独立，学术的原则，和以朴素, 严肃的态度在不同阶段不懈的鼓励充满活力但缺乏成熟发展机制的中国当代艺术，并表彰具有独立创造立场的艺术家和批评家。

CCAA的15年，正是中国当代艺术波澜起伏,从半地下状态到茁壮成长的15年, 中国当代艺术经历了从艺术要自由到媒介和个人语言、方法上的转型。CCAA这一独特的历史线索带给了中国当代艺术界许多思考, 什么是中国当代艺术？中国当代艺术奖的标准从何来？中国当代艺术存在的国际化与自我传统文化理解的差异等等…..这些问题的探讨，将在本次展览中得以延续。而此展览的另一重要作用是将中国当代艺术奖的研究成果更多的与公众分享,并以互动等方式拉近当代艺术的学术与广大观众的距离。不但使大众更加了解这个奖项的设置及运作方式，也通过这个奖项更加理解中国当代艺术的现状。

整个展览位于上海当代艺术博物馆的5层空间，大约1500平米的展区根据功能被划分为不同的区域。CCAA将开启15年文献资料可视化工程，对其进行信息分类、分析、关键词提取，并采用多媒体方式与观众互动，更大限度的争取观众的参与。此外，展览还将由一部纪录片作为整体线索的串联，纪录片通过第三者的视角，凝视CCAA和参与者的历史，从设定了时间节点和成就的现在，进行对过去的解构和重组。

CCAA15年展希望在艺术史书写的线索上提供研究的可能性，从另一个角度，艺术与大众的关系也微妙的引入并体现，它是中国当代艺术15年发展中独特视角下的卓越艺术成就的一种集体呈现，也是探寻未来发展的一个独立的开端，希望观者能倘佯其中回味其中并引发对艺术对社会的思考。

本次开馆大展特邀王璜生担任总策展人，曹庆晖、郭晓彦任联合策展人，以艺术史脉络的梳理为线索，结合龙美术馆自身的收藏特色，将开馆展的主题定为“开今·借古”。展览分为“古代·当下”、“国画·洋画”、“个案·历史”三大板块，展出包括中国当代艺术、中国近现代艺术和传统艺术在内的两百余位艺术名家的三百多件艺术作品。

当代艺术即“今”之艺术，但“今”之艺术如何与“古”之艺术、与历史构成对话，构成延伸与超越的关系，这成为西岸馆开馆大展及作品空间陈列安排的切入点。古人云：“借古以开今”，是以“古”为出发点来创造“今”。而西岸馆开馆大展的出发点则是“开今”而“借古”，意是站在当下，在不断创造、开拓、实验的同时，把历史作为参照、对话、挑战和超越的对象。展览试图透过其中的对比性结构关系进行一种“史”的表述和“观”的论述，以“史”带“观”，以“观”入“史”，为当下已存在和正在发生着的艺术史提供一种解读视角，为参观者建构一个既有学理价值、又有情感体验的“艺术史的形状”，也为当代艺术的现状和未来发展提供一个反思的语境(王璜生语)。

对不起，此内容只适用于美式英文。

军械库艺术展执行总监诺阿·霍洛维茨(Noah Horowitz)说徐震是“敏锐的煽动者”。他希望通过这次与艺术家的合作，军械库艺术展能继续自己作为国际对话和批判思辨之平台的角色。

在军械库艺术展将于2014年5月举办的展会上，对徐震的委托无疑将更加凸显中国元素。在2012的北欧诸国和2013的美国之后，特别策展单元，“军械库聚焦”(Armory Focus)，将把目光转向中国。尤伦斯当代艺术中心(UCCA)总监田霏宇(Philip Tinari)被邀请负责这一单元来呈现20位不同世代不同地区的中国艺术家的作品。

徐震艺术生涯中期回顾展将在尤伦斯当代艺术中心和他在军械库艺术展上的展览同期展出。徐震的作品涵盖了视频，装置，表演和摄影。“纵观他的艺术生涯，徐震都处在对于艺术和艺术家在当代中国角色批判思考的前沿阵地。他用睿智而幽默的方式探讨了当今文化产业的许多大问题。” 蒂纳利说。

下次军械库艺术展将于位于纽约曼哈顿55街12大道的92号和94号码头举行，从2014年3月6日至9日。

CAFAM双年展是中央美术学院美术馆主办的以大学美术馆为平台的双年展，首届展“超有机：一个独特研究视角与实验”于2011年9月至11月在中央美术学院美术馆成功举办，深获社会各界好评，并被多家机构及媒体评为2011年度中国“年度最佳展览”。

第二届CAFAM双年展以“无形的手：策展作为立场”为主题，将继续秉持国际性、当下性、前沿性的学术方向，深入探讨当代文化与艺术的发展与实验的精神、面貌与特征。第二届CAFAM双年展的总体策展方式将采取创新形式，基于艺术学院策展专业的设立及发展，及其在当代的策展活动中发挥的独特而重要的作用。本届CAFAM双年展将以邀请国际重要艺术学院的策展专业指导教师为学术主持，策展专业毕业并具有较出色策展成果的学生担任策展人，共同构成具有创新意义和教学实践及实验意义的策展团队，来策划、组织、实施本届CAFAM双年展。这些被推荐的策展人将以他们各自的学术特征来策划、呈现他们所关注的艺术课题和艺术家，使得策展的实践既与艺术教育有关，又与当代艺术的生态有关，从纵向、横向来推动策展与艺术的实践活动。

因为这是跨越地区、跨越文化的横向策展实践的一次双年展，所以我们特别强调这些策展人所呈现的问题、话题具有超经验的性质，即它们是超越当下情景、特定类型、单一学科的艺术展览表现；同时，作为策展，我们也强调它不是孤立的展览计划和落实，而是一种超策展的学术研究，它纵向地思考历史，又横向地架通不同学科知识的对话，以艺术的方式来昭示当代国际社会的关注点与特殊性。另外，因为这是国际间合作的双年展，从观念到作品到具体语言的翻译转译也是我们思考的方面之一。语言的交流永远都是一项文化事件，凡有文化变革与发展，都会与文本的语言翻译有关，其背后就是文化观念的转移、传递和解读。这种超经验、超策展、超翻译的方式和目标，是希望通过一种新型的双年展价值诉求，以突出、强化当代的策展经由学院教育与社会实践，走向综合知识构成、走向艺术生态有机整体的趋势。

香格纳画廊北京空间于2014年2月23日推出了2014年度的第一个展览“5+”。 此次展览汇集了丁乙、耿建翌、胡介鸣、王友身、徐震-没顶公司出品、杨福东、余友涵、张恩利的作品，其中有些作品或者少有公开，或者从未在北京展出。

香格纳北京空间从2008年开幕到去年2013年，已历经5年的时间。当香格纳北京空间面对这个数字的时候，往往会让人感觉站在回望过去和面向未来的中轴线上；在这里，如果说“5”是一个时间概念上的计算单位，那么“+”则是跳出物理维度的定义后，表现出的明确态度。“5+”是一个新时间节点的开始，是一种继承和延续，“5+”也是对5年之后的展望，是新探索历程的起点。作为香格纳画廊北京空间2014年的第一个展览，被强调，被寄予了更多“可能性”。

2013年12月4日-2014年8月1日，“中华廿八人-卢贝尔家族收藏展”在迈阿密当代艺术美术馆举办。《中华廿八人》是卢贝尔家族于2001至2012年间五次来中国考察的成果;在此期间，他们拜访了位于北京，成都，广州，杭州，香港，西安和上海的一百间艺术工作室，并收藏了28位艺术家的作品。这些作品包括绘画，摄影，雕塑和视频装置。

这将会是其中许多艺术家在北美的首次亮相。该次参展的艺术家中，年龄最大的生于1954年，最小的则生于1986年。本次展览将同时提供语音导览及图文并茂的中英文双语画册。该画册长达256页，其包含了各位艺术家的声明。该展览占据卢贝尔当代艺术基金会40,000平方英尺博物馆中的所有28个展馆。

本次展览中的所有艺术品都属于永久藏品。

四方当代美术馆开馆展重新思考了以中国文人园林中的隐逸精神为根基的乌托邦传统。在这一被重提的语境中，此展览将众多的主题串联了起来，如纪念碑式的建筑与供士人清赏雅集的园林建筑的意义、身体、享乐主义与体验经济等等。

展览将会邀请何岸、加布里埃尔·莱斯特、没顶公司（徐震），以及南京的新锐艺术家李竞雄专为此展创作。除了为特定空间创作的作品之外，展览还将呈现重要的国际艺术家为此展提供的作品及四方当代美术馆的部分永久收藏，如奥拉维尔·埃利亚松、梁苇、曾根裕、傅丹、段建宇、马琳·杜马斯、阚萱、安塞姆·基弗、毛焰、露西·雷文、吕克·图伊曼斯、杨福东、张恩利、周春芽和张培力等艺术家的作品。

同时，开馆展还将首次面向公众集中展现众多获奖建筑师作品，包括斯蒂文·霍尔、矶崎新、王澍、戴维·艾德加耶、艾未未、马蒂·沙那克塞那豪等。