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在历届“Dior Lady Art”艺术家限量合作系列中，迪奥皆携手才华横溢的当代艺术家，将Lady Dior手袋化身为一件件令人心驰神往的艺术杰作。今年，中国艺术家徐震获邀参与这一充满开拓性且极富时代精神的项目，他为“Dior Lady Art#8”艺术家限量合作系列项目创作的手袋作品，灵感源自其个人系列作品《金属的语言》，该系列就像一座语言的迷宫，既有哲学层面的探讨，也有对日常生活的调侃，以一种“徐震式”的幽默向“城市化”“全球化”等时代的核心议题发起挑战。

在今天大数据环绕的社会现实里，这些艺术家在区块链中觅食，在软件升级中升级自我认知，在走向网红的气氛烘托中走向艺术明星。艺术创作是他们对这些新人类生存境况的真实消化结果。这些艺术家实验出了技术的另一些可能，他们用艺术的名义示范如何使用这些技术，和表达情感，欲望的新动作。

佩恩恩作品《坏数据表演—电子竞技》2023

在艺术史的发展进程中，技术的革新一次次推动了艺术的质变——从19世纪合成颜料的广泛使用与摄影术的发明，到20世纪80年代万维网的诞生与民用，新的艺术形态不断在历史的流变中演化与成形。在技术爆炸的今天，当新媒体、大数据算法、区块链、人工智能以远远超出人类想象的速度迫近文化艺术的核心，艺术能否发起一次反向的制动，这一次，不再是技术决定艺术将向何处去发展，而是由艺术来反向地制动与决定技术?

边云翔作品《Arete》，2022

Tala Madani 作品《Manual Man》

保罗·维利里奥 (Paul Virillo) 曾以电影艺术为例，讲述了技术的发展虽然导致了现代社会的全面加速，却也为人们提供了一种新的美学倾向，和一种区别于传统艺术的路径，即“在速度中生产艺术”。然而，当人们观看电影如何运用技术去呈现那些脱轨于现实的动态图像，带来诸如幻觉、眩晕等种种“失神”感受，并由此重构人们的感知方式，会发现，这种“在速度中生产出的艺术”实际上正是为了追寻和弥补被速度剥夺的东西。本次展览寻求的则是另一种“在使速度失效的速度中生产艺术”的路径，即思考如何通过艺术手段去松动技术，进而开辟艺术自身的可能性。

展览中的十五位艺术家分别以各自的方式干扰、延缓、暂停甚至取消速度，生产出一系列因技术“故障”而发生扭曲，却又无法被技术所修复的形象，呈现技术与艺术如何相互消化与博弈，以及它们之间发生的纠缠还能成为其他什么：在王梓全的《暗处的流行病》中，三维建模软件中实体不明的角色呢喃着介乎抽象与现实间的叙事；佩恩恩的《无尽债，逆-渲染》中，以超越渲染速度滑动刷新的屏幕呈现出扭曲、失真与卡顿的故障图像；安德烈·穆尼亚因的《Reflections by Hannah Diamond》则通过利用数字技术让人类视觉的局限变得可见，并讲述了那些超出身体限制的不可能视角正如何统一我们的视线……这些通过诸如抵消、破坏、歪解技术而使技术表现发生变质的动作，联同它所揭开的技术超能力中的非理性之面，共同促成了种种同时让技术“失神”也让观众“失神”的界面，并揭露出技术与艺术的关系如何变得愈发暧昧与粘稠。

施政作品《熔于时间#1》，2022，单频数字影像，08’00’’

Andrea Muniáin 作品《Reflections by Hannah Diamond》2022

施政作品《来自电影〈阿尔法城〉的片场#3》2023

在区块链中觅食，在软件升级中升级自我认知，在走向网红的气氛烘托中走向艺术明星……这是新一代的创作者或喜闻乐见，或不得不面对的社会现实，而艺术是他们对这些新人类生存境况的真实消化结果。作为在中国本土开启的国际性群展，来自不同国籍、文化语境、历史传统的参展艺术家们面对为当下时代所真正共享的视觉文化与生存境况，作为在后网络时代拥有共同生命体验的集体，以与生俱来的对于业已渗透入日常生活的技术的感知，以艺术进行行动——对许多新媒体艺术家来说，以技术作为艺术创作的工具，正如在古老的艺术史长河中，画家使用画笔。

然而，“示范”并不是一个期待技术与艺术如何变得接近的展览，其主体仍是“做艺术”，即对艺术本体的探索。通过对人工智能、虚拟现实、实时模拟以及影像、装置等媒介的创造性使用，参展艺术家们实验出了技术的其他可能，再一次重申了艺术为制约和粉碎任何形式的强制或占有所提供的合法空间，并为我们在真实世界中逐渐丧失的——爱、身体、知识所仅有生存空间进行辩护。

善良作品《耳廓狐》2022，《灰熊》2022

方阳作品《义气诊所不营业》，2022

由此，参展艺术家们的艺术实践或可被视为一种“示范”：示范如何用技术来反思技术。当新技术日益渗透人们的生活，我们一面需要警惕被技术所控制和限制，另一面也能够运用技术进行更开阔的想象与进行更大胆的实验——如何利用或依靠技术去进行实践，同时清醒地意识到我们能做之事的范畴由技术圈定，并设法去超越这个局限？——这是参展艺术家与当代艺术带来的启迪。于此同时，由这些艺术实践所指向的我们不曾拥有、正在拥有、甚至还未拥有的生命体验，也正在不断推进、重新定义着当代艺术。

徐震®全球项目“信号”已正式启动。“信号”项目是由徐震®发起的长期当代艺术项目，他将持续向全球的观众赠送他创作的“激情”系列绘画，每个收到绘画的观众也将应邀在自己的社交媒体账号上展示此绘画，届时，将形成一个长期的、持续不断的出现在互联网自媒体平台上的“画展”。项目旨在向更多的人群发射艺术的信号，共享艺术的未来。

作为一个兼具线上与实体展示的全球项目，“信号”项目的全球首站——雅加达站，除在艺术雅加达香格纳展位设置的展览现场外，在与艺术雅加达官方合作下有幸邀请到近40位艺术家、藏家以及策展人等，他们也将受邀在社交媒体账号上展示作品。继雅加达站之后，“信号”项目也将在今年登陆新加坡和上海，将分别在香格纳新加坡空间和上海西岸空间展出，并邀请两地观众共享“激情”。

云计算时代，商品带上了更快的速度，快递正绕空城市核及其商业中心，随时将它们变成电子城隍庙。

而早在上世纪，徐震、杨振中和飞苹果三位艺术家就已敏锐地感受到快递与当代艺术之间的干柴烈火关系。1999年4月10日，纯粹是直觉的引导，他们在当时刚揭幕的“上海广场”策划了一场名为 “超市展”的当代艺术展览。33位当时极具活力、如今都已经是极具重要影响力的当代艺术家奋身参加。

今天，二十年后，2020年9月X日，同样是在这个“上海广场”，我们将迎来上海广场X没顶公司联合举办的当代艺术展：“ 上海广场 ”。届时将有陈莉、Jeff Staple、陆平原、Steven Harrington、商亮、史莱姆引擎、向利庆、徐震®、杨振中等9位艺术家参加这个展览。

这一场以“上海广场”同名主题的开业艺术大展，是此次上海广场商业改造更新后回归亮相的力作，重拾20年前“超市展”的锐利。重新揭幕的上海广场，首次创新地打造了一个无边界的艺术消费空间，国内外前沿的当代艺术文化与生活美学空间在这个异质容器中进行破壁碰撞，艺术与商业将会产生怎样莫测的变量与特异的火花？

上世纪末，大家也有的是美术馆空间可以用，为什么直觉会把艺术家们拖到商业流通空间去做展览？他们至今还念念不忘，要盯在它上头，是何种物流美学起着作用？他们想凑什么热闹，我们不清楚，他们自己清楚吗？似乎只有请展览的观众来回答这个问题了。

在这个不断升级的互联网时代里，我们也仍要激情地做商业，做激情的商业，把生意做成激情，因为那就是做艺术、做展览。“激情的商业”是著名社会主义空想家傅立叶对艺术的称呼。他把艺术当作一种更广大的生意，当成资本主义式经济之外的生物式经济、政治式经济、利比多经济、贡献式（逆熵）经济中的生意。1999年的《超市展》抛出了这个问题：为什么不可以呢？而在堆栈时代，当代艺术也必须是这样的一桩激情生意：通过这样的交换，使人人都在自动机器、快递包裹和手机屏幕面前享有平等的权利；同时承认并鼓励不同劳动者平等地为公共福祉作贡献，使每一个人都能自由地投身于自己热爱的事业。

这是因为，用当代艺术改造城市核及其商业空间，不仅要支持作为城市共同作者的全体住民对财富的重新挪用，也要通过构建支配性力量，来重新使用城市内的所有共同物，还它们本来的使用价值，使城市成为人人的共同通货，成为人人自己的艺术-小说。

所以眼下这个以“社交·眼界·玩味”为主轴的艺术商业项目，正在实现着一个理想：以文化艺术为贯穿，以国际视野为格局，在商业空间内探讨人与人、人与意识领域、人与城市空间之间的互动关系。

除了结合当代艺术之外，“上海广场”项目也嵌入着历史，它起始于淮海中路东段，今年正值淮海中路辟筑120周年，在时间长轴里，它既是曾经的繁华底色，又是新生的价值见证。这是首次以消费、办公、艺术、文化、创意等多维度于一体的商业模式，是一场让“美好”包裹生活的尝试，而“美好”也早已超越了从前的习惯定义，呈现出更多的涵义与指向。